Credit: Fox Searchlight Pictures / edited by Kubrickamente
O trabalho técnico do realizador Darren Aronofsky em Black Swan é quase tão obsessivo quanto o desejo da sua personagem principal, a bailarina Nina (Natalie Portman), de alcançar a perfeição. Numa odisseia concetual e artística que rivaliza com essa disputa quimérica entre o Cisne Branco e a sua irmã maligna, o Cisne Negro, o cineasta filmou a maioria das cenas com uma câmara de mão, abusando dos planos fechados da atriz, captados em cenários espaçosos, para assim criar uma sensação de claustrofobia psicológica: a personagem livre fisicamente, mas presa aos seus medos e inseguranças. Numa linha ténue entre o thriller subjetivo, género aprimorado por Roman Polanski, onde o espetador atravessa uma tempestade de situações reais e imaginárias, e o filme de terror ao estilo de Dario Argento, o contraste plástico entre o preto e o branco é fundamental para dar ênfase à dualidade da personagem, alimentando a metáfora da disputa entre o Bem e o Mal criada pela figura abstrata do Cisne. A instabilidade mental de Nina é maximizada a nível visual através de alternâncias estratégicas entre situações de descontrolo e alucinação, passadas em cenários escuros, e situações de calma e aparente coerência, passadas em cenários iluminados onde abundam cores claras. Estes saltos temporais e espaciais são metodicamente executados mantendo sempre a justaposição do rosto de Portman: a mesma personagem, estados de espírito opostos. Para apimentar ainda mais a experiência sensorial, o realizador encheu muitos dos cenários de espelhos, cujos reflexos começam a pregar partidas à protagonista e transportam o espetador para um ligeiro estado de paranóia. Audaciosamente, quase que a escorregar no próprio ego, Aronofsky faz da última palavra do filme um símbolo para aquilo que muitos dos amantes da sua obra poderão ter pensado ao chegar ao fim desta descida até à loucura: “perfeito”.