Hola A Todos!!
Y bienvenidos a esta breve guía para principiantes!
En esta guía los llevaré a través de algunos títulos, artistas y conceptos generales que son VERDADERAMENTE importantes de tener desde el principio hasta el final de nuestras carreras (y me refiero al final de esta hermosa carrera, por supuesto, al día en que dejamos de respirar).
Conceptos Generales
Más allá de si eres un ilustrador, artista conceptual, pintor clásico, artista de cómics, escultor, arquitecto, etc. hay un punto en común en donde todos nos reunimos y que no puede faltar: DIBUJO
Voy a ser mas específico acerca de la importancia que ésta disciplina tiene, sólo para ser un poco más precisos:
Y una vez que dibujaste lo suficiente...
...DIBUJA MÁS !!!
Así es, la importancia del dibujo es ENORME. Te preguntarás el por qué. Bueno es bastante simple: Como artista, tu tarea es volcar todo aquello que se encuentre en tu cabeza, a través de tus manos y ojos hacia el medio. Sin importar si se trata de una hoja de papel, una computadora o arcilla. Tienes una idea en tu mente y necesitas volcarla delante tuyo.
Así que el punto en común aquí es sólo uno y tiene muchas muchas muuuchas maneras de realizarse
Anatomía y estudio de gesto y ritmo hecho por mí (2012-2016).
Existen algunos elementos en el dibujo que debemos tomar en consideración...
- La perspectiva es el elemento más importante en el Mundo del Dibujo (Ohhh... suena tan épico!). Si estás apuntando a producir dibujo figurativo, entonces no existe posibilidad alguna de que puedas colocar apropiadamente un elemento, CUALQUIER elemento, sin un sólido entendimiento de la perspectiva. Por qué? Bueno, digamos que estas tratando de ubicar un objeto que posee tres dimensiones en un medio con dos dimensiones. Así que básicamente estás mintiendo: estás creando una ilusión óptica que va a confundir al ojo y hacerle creer que lo que sea que estás dibujando en el papel tiene, de alguna manera, alguna profundidad. Así que si no puedes entender cómo funciona, antes de empezar dibujo figurativo, sería apropiado practicar algunas perspectivas básicas y así introducirse apropiadamente en el tema.
*...la estructura es uno de los elementos más (si es que no es el más) importantes de incorporar. No existe un buen dibujo sin una base sólida (como por ejemplo una buena composición). No existe una buena figura sin un sólido entendimiento de anatomía (y así trabajar buenas proporciones). Y más que seguro que no existirá un buen escenario, paisaje rural, urbano, objeto, personaje o CUALQUIER otra cosa sin un sólido entendimiento de la perspectiva.
- El ritmo es casi tan importante como la estructura. Porque puedes tener una gran estructura, pero lo más probable es que, sin ritmo, las formas van a ser tan duras que va a perder la gracia y todo su atractivo. El ritmo es la dinámica que se le agrega a la estructura. Sería algo así como una melodía: Una melodía no puede ser hermosa por sí sola... sin un ritmo o tempo apropiado simplemente pierde sentido.
Un ejemplo. No estoy diciendo que esto sea malo o que no deberías ubicar un objeto o personaje en una posición dura, recta o centrada. Pero en este caso aplica bien: observa cómo el ritmo de las figuras de la derecha se ven mucho más interesantes que las de la izquierda. Tienen otra lectura, por supuesto, y la dinámica que poseen es lo que las hace tanto más atractivas que sus relativas de la izquierda.
- La línea que produces, qué tan limpia es y cómo la controlas para crear formas (qué se encuentra detrás y qué se encuentra al frente, por ejemplo. Cómo sugieres el volumen con la menor cantidad de elementos. Cómo sugieres las sombras, y lo más importante: qué será curva y qué será línea recta).
Hay algunos libros y artistas que DEBES tener en cuenta para convertirte en un profesional en el tema.
El Dibujo De La Figura En Todo Su Valor
Cuando hablamos de maestros del dibujo y del arte en sí Andrew Loomis es la llave del dibujo occidental del siglo XX. Un maestro de maestros!.
Su idea fue tan simple y aún así tan eficiente: Observar, analizar, dibujar.
Se había dado cuenta de que tan sólo con esos tres elementos podías, de hecho, convertirte en un artista de élite. Solía decir que el ambiente del cual provienes y aquél en el que más tiempo hayas vivido son elementos que harán más fácil o más difícil tu entendimiento sobre cada tema. Por ejemplo... si provienes de una granja, es más probable que seas bueno creando paisajes rurales. Cuando si en lugar de ello provienes de una ciudad, las posibilidades se inclinan frente a paisajes urbanos o interiores del mismo tipo.
Loomis muestra una atractiva manera de estudiar anatomía y de entender las formas, porque es súper necesario saber descomponer las figuras en su forma más básica. Por ejemplo cubos, cilindros y esferas. Así, de esta manera, puedes ubicar un objeto o figura en el mismo escenario con una perspectiva previamente planteada.
Este artista escribió muchos otros libros que son verdaderamente increíbles y útiles, pero considero que ésta es su joya, el más importante. También puedes encontrarlo de manera gratuita en internet. Así que guarda ese dinero para comprar algunas hojas y lápices ;)
Bridgman's Complete Guide To Drawing From Life (Guía Completa Para Dibujar De La Realidad).
Otro AMO del mundo del dibujo. Bridgman propuso y demostró cómo deconstruir una anatomía desde sus formas más básicas. A través de esta manera demostró cómo sugerir mejor volumen en todo objeto o personaje ubicado en el lienzo.
De todas maneras, lo más importante a rescatar de este gran artista es su técnica para simplificar la estructura completa del cuerpo humano a formas y volúmenes básicos. Suficientemente simple para recordar toda su anatomía con tal grado de precisión que podrías plantear un cuerpo humano de tu imaginación sin mayor dificultad.
Bridgman poseía lo que yo denomino dibujo de escultor. Lo cual significa que dibuja planteando el volumen, guiando las líneas para que hacer lucir al dibujo como si poseyera profundidad. Cosa muy diferente al dibujo de dibujante (plantear lineas sin demasiado volumen si no más bien silueta y forma) o dibujo de pintor (dibujo con zonas o manchas... ohh mi favorito).
Ken Hultgren's The Art Of Animal Drawing (El arte de dibujar animales).
Bueno... qué puedo decir.
Si lo tuyo es dibujar animales, ésta debería ser tu Biblia.
No hay muchos artistas que puedan analizar el ritmo de un animal y simplificar su forma tan bien como Hultgren. Simplemente sabe cómo meterse en tu mente y enseñarte como hacer CUALQUIER animal que se te ocurra, sea con referencia o de tu imaginación. Todo con dos elementos: La línea y el círculo.
De todas maneras recomiendo mucho no hacer abuso de los círculos, ya que de esta manera te estarás alejando de lograr una buena estructura en tus dibujos.
Artista contemporáneo: Krenz Cushart.
Últimamente mi referencia favorita para dibujar. Un artista increíble que para de crecer ya que nunca deja de practicar. Una gran inspiración sin lugar a dudas!
Krenz no tiene libros de anatomía realizados todavía. Pero puedes encontrar algunos Patreons y cursos online que crea constantemente.
Realmente lo recomiendo para mejorar tu línea y el entendimiento de las formas.
Un detalle de color de este artista y profesor es que proviene de la escuela oriental. Es un maestro chino y tiene una educación y manera de concebir las formas diferente que los occidentales (la mayoría de nosotros).
Está bien, tenemos los libros... Y ahora qué?
El paso siguiente, luego de haber reunido una buena cantidad de referencias es comenzar a imitarlas. A copiarlas.
Sí! Dije copiarlas!!
Copiar es muuuuuuuy importante para un artista. Ninguno de nosotros nació sabiendo cómo (o qué) es un cráneo, cómo realizar una buena perspectiva, cómo crear buenas facciones en el rostro de una mujer. Aprendemos todo ello con tiempo, paciencia y UN MONTÓNNNNN de frustración.
Copiar, copiar y copiar...
...y luego de haber realizado 10 o 15 intentos haz un dibujo de la imaginacion. Luego vuelve a copiar!
Nunca tires nada, porque esto es como entrenar en el gimnasio: Un día verás verás cómo te encuentras fuera de forma, pero entonces, luego de mucha constancia verás el progreso por contraste. Ahí es cuando esos primeros dibujos serán tu ejemplo para el día de mañana. Ese día, después de mucha práctica, tomarás tu primer dibujo y lo pondrás al lado del que último que hayas hecho. Y allí será donde verás cuán mucho haz progresado!
A la izquierda, un dibujo hecho a mis 16, a la derecha uno hecho a mis 25 (el mes pasado). Ambos sin referencia. Un muy buen ejemplo de cómo no poseía estructura, ritmo, linea ni perspectiva.
A la izquierda, un dibujo hecho a mis 14, a la derecha uno hecho a mis 25 (hace algunos meses).
A la izquierda, un dibujo hecho a mis 16, a la derecha uno hecho a mis 25 (el mes pasado).
Entonces el secreto es, de nuevo, ser constante. Nunca dejes de practicar, nunca dejes de preguntar, de mostrar tu trabajo, de aceptar críticas. No seas orgulloso, mata a tu ego, acepta que serás mejor, sé mejor.
Nunca dejes de copiar pero aun más importante nunca dejes de analizar lo que estas copiando y por qué lo estas copiando. Si es el dibujo de otro artista intenta entender (mientras lo copias, varias veces, no sólo una) por qué puso esa línea allí y no en otro lugar. Piensa si se vería mejor con más líneas, piensa si sería mejor con menos líneas. Intenta no usar sombras hasta que tu línea se vea lo suficientemente limpia y buena.
Espero que todo esto que estoy diciendo te anime a comenzar este hermoso camino a ser un creador y un artista. Todos somos artistas, buenos artistas! Pero sólo algunos de nosotros se toman el tiempo de llegar a ese punto tan soñado.
Recuerda que cualquier duda que tengas puedes contar conmigo. No estás solo/a!
Asique eso es todo mis amiguitos!
Este artículo también se encuentra realizado en inglés, por si quieres recomendarlo a alguna amistad de habla inglesa =)