This is an authorized translation in French of a post in English by Hive account@roused: Painting Higher States of Consciousness with Light

La personne qui parle ici n'est pas moi, Vincent Celier (Hive account@vcelier), mais Hive account@roused, un américain vivant en Allemagne.

"Il n'y a pas si longtemps, le peintre américain le plus admiré en Europe était Mark Tobey."

L'espace multiple délimité par des lignes blanches impliquées symbolise des états de conscience supérieurs.

La phrase ci-dessus était la première ligne d'un article rétrospectif du New York Times à son sujet en 1984. Il n'était pas célèbre seulement en Europe, il était également connu des amateurs d'art américains; par exemple, il est apparu à trois reprises (1953, 1957 et 1959) dans le magazine LIFE. Au début de la télévision, avant Internet, LIFE était un magazine hebdomadaire qui était lu par des dizaines de millions de personnes.

En effet, dans les années 50 et 60, lorsque la musique de Miles Davis, John Coltrane et Dave Brubeck enthousiasmait les Européens, Mark Tobey surfait sur la même vague dans le monde de l'art. Ceci en dépit du fait qu'il était par nature calme et solitaire et qu'il évitait la plupart du temps le milieu artistique new-yorkais. Au lieu de cela, il parcourait le monde pour travailler et apprendre.

Dans le magazine d'art international Apollo

En 1958, aux côtés de Rothko, il a représenté les États-Unis à la 29^ème Biennale de Venise, où sa peinture "Capricorne" a reçu le prix de la ville de Venise. Depuis que Symphonie en blanc, n ° 2: La petite fille blanche de Whistler a triomphé à la première biennale de 1895, aucun artiste américain n'a remporté la médaille d’or. Trois ans plus tard, une grande rétrospective de l’œuvre de Tobey s’est tenue au Pavillon de Marsan au Louvre, une réalisation sans précédent pour un artiste américain vivant. En 1952, un critique français écrivait que l’importance de Tobey ne pouvait «jamais être suffisamment soulignée», qu’il était décrit comme «l’un des trop rares individus de valeur authentique».

Mark Tobey, Campo

Mark Tobey a été qualifié de père de l’expressionnisme abstrait, mais il est probablement plus exact de noter que son art est visuellement similaire à ce style et qu’il le précède, mais son approche, sa philosophie et son inspiration étaient très différentes de la plupart des expressionnistes abstraits. Son inspiration venait de la lumière, de l'équilibre, de l'harmonie, de la contemplation, de la conscience, de l'espace intérieur et de l'unité.

Il est né en 1890 et a grandi à Chicago. Adolescent, il a fréquenté l’Art Institute of Chicago pendant quelques années, même s’il était essentiellement autodidacte. À l'âge de 21 ans, il s'installe à New York et devient illustrateur de mode pour le magazine McCall. Un de ses amis proches a raconté une histoire intéressante (sur cette vidéo en anglais) que je n’ai pas trouvée imprimée.

Le travail de Tobey consistait à livrer des colis. Un jour où il était dans le département de la mode du magazine McCall, il a examinée les illustrations autour du bureau et a déclaré: «Je peux faire mieux que cela.» Un éditeur lui a donné un bloc-notes et un crayon et a déclaré: "Voyons voir." Il lui a donné un travail et Tobey a déclaré plus tard que cela avait presque tué sa carrière artistique car il gagnait tellement bien sa vie en tant qu'illustrateur de mode.

Il a fini par évoluer et a travaillée quelque temps avec succès en tant que portraitiste. Il organisa sa propre exposition Manhattan en 1917.

Une rencontre qui change la vie

Dans le même article cité plus haut dans le New York Times, l'auteur écrivait que Mark Tobey:

… était connu pour être un adepte de la foi baha'ie, et lorsqu'il a dit aux gens qu'il cherchait ce qu'il appelait une «dimension sans dimension», ils ont examiné les peintures en question et les ont trouvées le comble de la sublimité…

L’histoire de la façon dont cela est arrivé a un lien intéressant avec mon précédent article sur Juliet Thompson et Khalil Gibran. En 1918, Mark Tobey rencontra Juliet Thompson, une autre portraitiste, et la suivit dans son studio de Greenwich Village, photographié ici.

Juliet Thompson dans son studio

Dans le studio de Juliet, Tobey a lu de la littérature baha'ie et après avoir exprimé son intérêt, elle l’a invité à une conférence lors d’une retraite baha’ie dans le Maine, au cours de laquelle il a décidé d’adhérer à la foi baha'ie. Ceci, ainsi que son étude de la calligraphie asiatique, persane et arabe ont été des événements déterminants dans son développement artistique.

Mark Toby dans ses propres mots:

J'ai été influencé par la religion baha'ie qui croit qu'il n'y a eu qu'une religion qui se renouvelle sous des noms différents. Du point de vue des baha'is, la racine de toutes les religions repose sur la théorie selon laquelle l'homme comprendra progressivement l'unité du monde et l'unité de l'humanité. Elle enseigne que tous les prophètes ne font qu'un - que la science et la religion sont les deux grandes puissances qui doivent être équilibrées pour que l'homme devienne mature. Je pense que mon travail a été influencé par ces croyances. J'ai essayé de décentraliser et d'interpénétrer afin que toutes les parties d'un tableau aient une valeur connexe. J’ai peut-être même espéré pénétrer la perspective et rapprocher ce qui est loin. Ce qui est à moi, c'est l'Orient, l'Occident, la science, la religion, les villes, l'espace et l'écriture d'une image.

Certains critiques m'ont reproché d'être ce qu'ils ont appelé un orientaliste et d'utiliser des modèles orientaux pour mon travail. Mais ils avaient tort. Parce que lorsque je me débattais au Japon et en Chine avec les bâtons d'encre et les pinceaux pour essayer de comprendre la calligraphie de l'Extrême-Orient, j'ai compris que je ne serais jamais autre chose que l'Occidental que je suis. Mais ce qui s’est développé là-bas, c’est ce que j’appelle l’impulsion calligraphique qui a ouvert de nouveaux horizons à mon travail. Je pouvais maintenant peindre la tourmente et le tumulte des grandes villes, l’entrelacement des lumières et les flots de gens pris dans les mailles de leurs filets.

Photo originale en noir et blanc de Mark Tobey dans son atelier (1949). Avec la permission de Arthur Lyon Dahl. Photo de Larry Novak, effets de Hive account@roused

Mark Toby dans ses propres mots sur l'art et la technique

Au cours des 15 dernières années, mon approche de la peinture a varié, dépendant parfois du pinceau, parfois des lignes, des traits blancs dynamiques dans l'espace géométrique. Je n'ai jamais essayé de suivre un style particulier dans mon travail. Pour moi, la route a été un zigzag à l’intérieur de vieilles civilisations, à la recherche de nouveaux horizons à travers la méditation et la contemplation. Mes sources d’inspiration sont passées de celles de mon Middle West natal à celles des mondes microscopiques. J'ai découvert de nombreux univers sur les pavés et les écorces d'arbres. Je sais très peu de choses sur ce qu'on appelle généralement la «peinture abstraite».

Mark Tobey

L'abstraction pure signifierait un type de peinture totalement indépendant de la vie, ce qui est inacceptable pour moi. J'ai cherché à rendre ma peinture «complète», mais pour y parvenir, j'ai utilisé une masse tourbillonnante. Je ne prends pas de position définitive. Cela explique peut-être la remarque de quelqu'un qui regardait une de mes peintures: "Où est le centre?"

J'essaie de faire de chaque image un monde en soi, et peut-être celle-ci semble-t-elle inintéressante, même si on s'intéresse beaucoup aux variations dans les relations de lignes et dans les accents de toucher que j'ai utilisés au centre. On y trouve un monde beaucoup plus vaste qu'il n'y paraît à première vue. L'utilisation de nombreux rythmes entrelacés indique ma recherche de la hauteur et de la profondeur. Il faut chercher en contemplant, sinon il n'y aura pas de récompense.

Le culte de l'espace peut devenir aussi terne que celui de l'objet. La dimension qui compte pour le créateur est l’espace qu’il crée en lui-même. Cet espace intérieur est plus proche de l'infini que de l'autre, et c'est le privilège d'un esprit équilibré - et la recherche d'un équilibre est essentiel - d'être aussi conscient de l'espace intérieur que de l'espace extérieur.

Mark Tobey, Sumi

Le développement de mon travail a été, je pense, plus subconscient que conscient. Je ne travaille pas par déductions intellectuelles. Mon travail est une sorte de contemplation autonome.

Les gens disent que j'ai appelé ma peinture «écriture blanche». Je ne l’ai pas fait. Quelqu'un d'autre l'a fait. Une idée m'intéressait: pourquoi les structures ne pouvaient-elles pas être en blanc? [...] Je les ai peintes en blanc parce que je pensais que les structures pourraient être, devraient être légères. Ce qui m'intéressait fondamentalement à l'époque était la lumière.
Depuis que j’essaie de rendre organique mes peintures, j’ai le sentiment qu’il existe un rapport avec la nature. Dans "Drift of Summer", par exemple, je voulais faire ressentir à travers la peinture le mouvement des herbes et des graines flottantes. Pour obtenir l'impact rythmique d'un tel travail, j'ai dû construire le corps de la peinture selon des lignes multiples.

Mark Toby dans ses propres mots sur la musique

(Il a étudié la musique et collaboré avec le théoricien de la musique et compositeur John Cage.)

Lorsque je joue du piano pendant plusieurs heures, tout est ensuite clair dans mon imagination visuelle. Tout ce qui existe, chaque être humain est une vibration.

Mark Tobey, Rummage

J'ai utilisé certaines des formes identiques d'improvisation, similaires aux musiciens utilisant un motif de musiciens précédents ou contemporains. Je n'avais aucune peinture en tête, mais plus ou moins l'impression de ces peintures sur lesquelles j'avais construit une structure complexe moderne.

Je pense souvent à Chopin quand je travaille. De temps en temps, j'ai des idées, parfois je n’en ai pas du tout. Les idées me viennent au cours de mon travail de création. Un compositeur, une fois qu'il a pour point de départ une série de sons, il peut composer toute une symphonie.

**Brève vidéo avec des peintures de Mark Tobey**

Écriture blanche

L’écriture blanche est peut-être l’aspect le plus connu de l’art de Mark Tobey. Cette description, et l'article de «Art and Antiques Magazine», est la meilleure que je connaisse:

Bien que de nombreuses phrases standard de la critique d’art soient un peu gênantes, «l’écriture blanche» s’accorde bien, sinon parfaitement, avec les images de Tobey qui scintillent doucement. Strictement parlant, ses fines traînées de peinture blanche sont des coups de pinceau, mais n’effectuent aucune des tâches habituelles du trait. Elles ne génèrent ni l'image d'un objet dans l'espace pictural (comme dans la peinture réaliste), ni ne véhiculent une attitude personnelle ou une qualité de sentiment (comme dans, par exemple, l'expressionnisme abstrait). Très proches les unes des autres et souvent reliées par des zigs et des zags angulaires, les marques de Tobey semblent à la fois précises et tout à fait spontanées. En remplissant la surface d'une toile bord à bord, son "écriture blanche" crée une toile que l'on appellerait dense si elle n'était pas aussi aérée. Remplies d’un espace subtilement modulé, les peintures de Tobey sont incontestablement picturales, de même que les marques de son pinceau. Ces œuvres ne sont en aucun cas écrites. Pourtant, on perçoit dans leurs inflexions linéaires l’immersion de toute une vie dans la calligraphie, ce qui justifie dans une certaine mesure le discours de la critique sur «l'écriture blanche».

**Vidéo brève mais intéressante sur Mark Tobey, en anglais**

Mark Tobey a vécu de nombreuses années dans le Nord-Ouest Pacifique et est considéré comme l'un des quatre fondateurs de la Northwest School. Dans les années 1960, il émigra en Europe où il vécut tranquillement avec son partenaire dans une modeste demeure du quartier historique de Bâle, en Suisse, où il est décédé en 1976, à l'âge de 85 ans.

Photos

Première photo: Mark Tobey, noir et blanc original trouvé sur Pinterest. Effets et ajout de texte par Hive account@roused