Como parte de la programación en memoria del gran poeta venezolano e hispanoamericano José Antonio Ramos Sucre, en su casa natal (“Casa Ramos Sucre”) en Cumaná, se presentó el cortometraje El canto anhelante, dirigido por los hermanos Luis y Andrés Rodríguez, realizado en 2018. Hablaré sobre él en este post.
El canto anhelante -título de un poema de Ramos Sucre (de su primer libro: La torre de Timón), usado quizás como metáfora de su poesía, pero no representado en la realización- es un trabajo cinematográfico que, de entrada, calificaré de meritorio y de calidad.
Sobre Ramos Sucre se había hecho alguno que otro trabajo audiovisual, pero este cortometraje de los hermanos Rodríguez marca un hito en el tratamiento del poeta y su obra. Se pueden abordar muchos aspectos, pero solo me centraré en dos: el tratamiento temático y su mundo de imágenes.
El guion, elaborado también por los directores del filme, y su realización logran presentarnos una interpretación muy sugestiva de un poeta que es difícil de tratar en vida y creación literaria por su singularidad, como pocas. La vida llena de rigideces y prohibiciones, y, a la vez, de libertades ficcionales en su obra, es también expresada por los autores de este filme con una productiva y significativa mirada ficcional, muy apropiada para el escritor y la poesía abordada.
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Ramos Sucre expresó en una de sus inolvidables cartas para referirse al juicio sobre sus libros: “Se requieren (…) los conocimientos que yo atesoré en el antro de mis dolores. Y todo el mundo no ha tenido una vida tan excepcional”. Creo que los guionistas y directores de este filme alcanzaron a conectarse con ese espíritu arduo de Ramos Sucre.
Está la infancia y adolescencia marcadas por la rigidez y la prohibición de su tío, el Padre Ramos (como él lo nombra), pero igualmente la alegría soñada. Encontramos la conciencia imaginante del deseo corporal y la tentación sexual, junto al peso del pecado y la condenación. También la ficcionalización del sentido del mal y del tormento, motivos tan ramosucreanos. Igualmente, hay mucho de la idealización de la belleza y de la muerte como salvación ante el dolor de la enfermedad y la amenaza de la locura, como el mismo poeta dice en sus epístolas, acosado por el agónico insomnio.
La apreciación temática, como en todo filme, se hace posible gracias a las imágenes que nos ofrece. Es una riqueza que no podría recoger aquí, pues se trata de un poema visual. Lo anteriormente dicho por mí en lo temático, que obviamente no existe de modo independiente, consigue su verdadero vehículo expresivo en las imágenes. Lamento no poder colocarlas por aquí, pues tengo acceso a pocos fotogramas.
Entre ellas, resalto las referidas a la infancia, en las que la presencia del niño o adolescente funciona como un “leitmotiv”, concentrando el sentido de la inocencia y la aprensión. Me llamó mucho la atención el uso de las aguas y de las flores rojas, que podría verse repetida en la imagen del lavatorio. La presencia de la imagen de la mujer es quizás la más importante en la visión presentada por el filme.
La imagen de la mujer, de por sí polisémica en Ramos Sucre (belleza anhelada y prohibida, deseo y pecado, poesía inalcanzable, muerte), tiene en el filme muy sugerentes ilustraciones. Las principales creo que son las relativas al deseo y el placer, así como las de la muerte, que, con gran sentido imaginativo y visual, el filme nos presenta en su final.
Si le interesa, puede ver el cortometraje comentado en el siguiente enlace:
Gracias por su lectura.
