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Hola querido hiver.
Hacía meses que no había vuelto a visitar alguna exposición cultural. En esta ocasión voy a compartir las fotografías que tomé cuando estuve conociendo la obra del escultor vasco Eduardo Chillida. Hasta este día era un perfecto desconocido para mí. Lo único que sabía era que trabajaba la escultura en metal y piedra y como única obra de referencia tenía el famoso Peine del viento ubicado en San Sebastián.
Esta exposición es parte de las actividades que la Fundación Eduardo Chillida - Pilar Belzunce está celebrando con motivo del centenario del nacimiento del escultor, en 1924. El objetivo principal es poner en valor su legado y dar a conocer su obra a los profanos como yo.
Un buen ejemplo son sus dibujos. Como todo buen escultor, Chillida estudió el cuerpo humano desde sus inicios, reproduciéndolo en materiales diversos.
Exploró también el retrato y el autorretrato. El dibujo superior es un retrato de su mujer realizado en 1958. El inferior es un autorretrato de 1971. Esta faceta suya me sorprendió y agradó a partes iguales.
Pero es que, además de artista, Chillida reflexionaba con una profundidad tal que se acerca a la filosofía. Fue un investigador incansable, transformando todo tipo de materiales buscando un diálogo entre el espacio y los cuerpos que diera respuesta a sus preguntas.
Una sección de la exposición está dedicada a los collages. Están realizados en papel artesanal superponiendo capas de diferentes gramajes y texturas para generar una sensación de relieve o profundidad. En ellos se empiezan a distinguir las siluetas y perfiles marca de la casa.
Las esculturas y los bocetos que realizó de ellas son la parte esencial de la producción artística de Chillida. Trabajó con todo tipo de materiales, especialmente el yeso, el alabastro, la madera, el hierro forjado, el hormigón armado, la terracota o el acero corten.
En estas esculturas, en las que por su tamaño se permite una relación más directa con la propia obra, el artista no busca la espectacularidad sino la contemplación y la relación sutil que une cada plano y cada uno de los espacios que las envuelven.
Se trata de construcciones que dialogan con el entorno de modo silencioso, simbólico, reduciendo el pensamiento del propio artista para hacerlo más puro y liberador. Todo en ellas se condensa, se precisa con clarividencia, explorando la luz, el espacio, las tensiones, las oquedades, los cortes.
(Tomado de uno de los paneles informativos de la exposición)
Una sección se dedica a los estudios sobre una parte concreta del cuerpo humano: las manos. En ella se recogen dibujos en carboncillo o lápiz con manos en posiciones diversas. Según se indicaba en los paneles informativos, para Chillida eran símbolos de creación y meditación sobre el cuerpo como herramienta artística porque de ellas nacen las obras de arte.
En el centro de la sala se puede disfrutar de un audiovisual en el que vemos cómo se elaboraban las grandes esculturas de hierro, fundiendo el material y dándoles forma después.
Otro detalle, simbólico e inspirador, es la fotografía que acompañaba a la fecha de la muerte de Chillida en la cronología de los hitos importantes de su vida. Su postura de satisfacción, como un hombre que contempla plácidamente la obra terminada. Me pareció una metáfora preciosa o quizás yo soy una cursi, jaja.
Un dato curioso es que la mayoría de los dibujos y esculturas que se ven en la exposición no tienen título. La verdad es que no les hace falta para identificarlos con su autor. Es ahí donde aparece el artista, cuando su obra habla por sí misma y de un vistazo sabemos a quién pertenecía la mano que la creó.
En otro apartado encontramos expuestas lo que Chillida llamó Gravitaciones, que son como un paso más allá de los collages que hemos visto más arriba. Te pego aquí la explicación del panel informativo:
Las Gravitaciones, desarrolladas por el artista vasco a partir de 1985, son una de las series más originales de su producción. Se trata de una especie de dibujos en el espacio a través de los cuales continuó realizando sus investigaciones sobre el vacio y la línea.
Son piezas compuestas por recortes superpuestos en los que emplea, principalmente, los colores blanco y negro, suspendidos por hilos y tensiones invisibles que parecen flotar en el aire desafiando la gravedad.
Chillida logra con ellas crear una especie de esculturas que implican una tercera dimensión y que tienen diferentes texturas al servicio de la reflexión sobre los límites entre lo visible y lo invisible.
El centro de esa sala está compartido por las piezas que más me gustaron de toda la exposición. Me las imaginé en tamaño gigante y a mí paseando entre las formas. Pude disfrutarlas en soledad y no dudé en hacer mis pruebas con la cámara buscando las mejores perspectivas.
De la última sección me atrajeron dos cosas. Por un lado, las dos obras de alabastro, un material abundante en esta región y que se asocia con la luz. Me maravilla cómo Chillida logra esos cortes rectos y limpios en cualquier material, pero en especial en las piedras.
Y por otro lado, las palabras del escultor que nos despiden junto a una imagen suya trabajando en su taller. Es un resumen precioso de por qué hacía lo que hizo y una lección de sabiduría y humildad.
Hasta la próxima publicación. Mientras tanto, ¡cuídate!
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©️Copyright 2026 Paloma Peña Pérez. Todos los derechos reservados.
Hi, dear hiver.
It had been months since I had last visited a cultural exhibition. On this occasion, I am going to share the photographs I took when I was getting to know the work of the Basque sculptor Eduardo Chillida. Until that day, he was a complete stranger to me. All I knew was that he worked with metal and stone sculptures, and the only work I was familiar with was the famous Wind Comb located in San Sebastián.
This exhibition is part of the activities that the Eduardo Chillida - Pilar Belzunce Foundation is holding to mark the centenary of the sculptor's birth in 1924. The main objective is to highlight his legacy and make his work known to laymen like me.
His drawings are a good example of this. Like all good sculptors, Chillida studied the human body from the outset, reproducing it in various materials.
He also explored portraiture and self-portraiture. The upper drawing is a portrait of his wife made in 1958. The lower one is a self-portrait from 1971. This facet of his work surprised and pleased me in equal measure.
Tr: "Thanks to space there are limits in the physical universe and I can be a sculptor. Are there limits also for the spirit?"
But in addition to being an artist, Chillida reflected with such depth that it bordered on philosophy. He was a tireless researcher, transforming all kinds of materials in search of a dialogue between space and bodies that would answer his questions.
One section of the exhibition is dedicated to collages. They are made from handmade paper, with layers of different weights and textures superimposed to create a sense of relief or depth. The silhouettes and outlines that are the hallmark of the brand begin to emerge in them.
The sculptures and sketches he made of them are the essential part of Chillida's artistic production. He worked with all kinds of materials, especially plaster, alabaster, wood, wrought iron, reinforced concrete, terracotta and Corten steel.
In these sculptures, whose size allows for a more direct relationship with the work itself, the artist does not seek spectacularity but rather contemplation and the subtle relationship that unites each plane and each of the spaces that surround them.
These are constructions that dialogue with their surroundings in a silent, symbolic way, reducing the artist's own thinking to make it purer and more liberating. Everything in them is condensed, refined with clairvoyance, exploring light, space, tensions, hollows and cuts.
(Taken from one of the exhibition's information panels)
Tr: "The horizon is the homeland of all men"
One section is devoted to studies of a specific part of the human body: the hands. It features charcoal and pencil drawings of hands in various positions. According to the information panels, for Chillida they were symbols of creation and meditation on the body as an artistic tool because they give birth to works of art.
Tr: The Chillida Leku Museum of Hernani in Paris is inaugurated.
2001
He is appointed a member of the Academy of Fine Arts
2002
Eduardo Chillida dies in San Sebastian, on August 19, at the age of 78
In the centre of the room, visitors can enjoy an audiovisual presentation showing how the large iron sculptures were made, melting the material and then shaping it.
Another symbolic and inspiring detail is the photograph accompanying the date of Chillida's death in the chronology of the important milestones in his life. His satisfied posture, like a man peacefully contemplating his finished work. I found it a beautiful metaphor, or maybe I'm just being corny, haha.
An interesting fact is that most of the drawings and sculptures on display in the exhibition do not have titles. The truth is that they do not need them to be identified with their author. This is where the artist comes in, when their work speaks for itself and we know at a glance who created it.
In another section, we find what Chillida called Gravitations, which are a step beyond the collages we saw above. Here is the explanation from the information panel:
The Gravitations, developed by the Basque artist from 1985 onwards, are one of the most original series in his oeuvre. They are a kind of drawing in space through which he continued his research into emptiness and line.
They are pieces composed of overlapping cut-outs in which he mainly uses black and white, suspended by invisible threads and tensions that seem to float in the air, defying gravity.
With these pieces, Chillida manages to create a kind of sculpture that involves a third dimension and has different textures, encouraging reflection on the boundaries between the visible and the invisible.
The centre of that room is shared by the pieces I liked most in the entire exhibition. I imagined them in giant size and myself walking among the shapes. I was able to enjoy them in solitude and did not hesitate to experiment with my camera, searching for the best perspectives.
Two things caught my attention in the last section. On the one hand, the two works in alabaster, a material that is abundant in this region and associated with light. I am amazed at how Chillida manages to achieve such straight, clean cuts in any material, but especially in stone.
And on the other hand, the sculptor's words that bid us farewell alongside an image of him working in his studio. It is a beautiful summary of why he did what he did and a lesson in wisdom and humility.
Tr: "I work to learn, and I value learning more than knowledge.
I believe I should try to do what I don't know how to do, try to see where I can't see, recognise what I don't know, and identify the unknown."
Until the next post. In the meantime, take care!
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