Fanart of "Mazinger Z" done by me
¡Hola Comunidad de amantes del Manga y el Anime!
En el post de hoy, vamos a hablar sobre una de las herramientas de vital importancia al momento de producir anime. Esta herramienta hace las veces de un puente visual entre el guion escrito y el resultado de la animación final, ayudando a que el texto pueda ser traducido a imagenes secuenciales de manera que todos los departamentos puedan entenderlo. Estamos hablando del Storyboard.
Los equipos de dirección, de arte y de animación estarían trabajando a ciegas sin un storyboard sólido. Esto traería como consecuencia un aumento de errores lo cual obligaría a retrabajar escenas enteras y como consiguiente, los costos de producción se elevarían.
Entonces, ¿qué es en sí un storyboard? Bueno, realmente es una serie de paneles dibujados de manera secuencial que vienen a ser una representación de los planos de la escena. Un storyboard contiene la siguiente información: Indicaciones de cámara: el ángulo, el movimiento, zoom), también tiene notas de movimiento para indicar el timing de la acción y la forma en la que el personaje se desplaza. También contiene referencias de tiempo ya que indicará el tiempo o duración aproximada del plano y el número de fotogramas que contiene la escena.
Todos estos elementos, permiten que el director de arte, los animadores y los productores puedan tener una visión común del trabajo antes de iniciar la animación de lleno.
En la industria de animación japonesa, este paso se suele dividir en dos etapas: el key storyboard y el rough storyboard. El primero se encargará de mostrar los planos más importantes, así como la composición de las escenas y los momentos claves. Suele ser el soporte o documento de referencia principal para el director y el director de fotografía. El segundo, es utilizado para planificar el ritmo, fluidez de planos y duración. Es un borrador de uso interno que se revisa y mejora antes de pasar al Key Storyboard.
Cumplir con esta etapa en la producción de un anime tiene una serie de beneficios. El primero es que permite ahorrar tiempo ya que reduce el tener que rehacer animaciones enteras ya que los problemas que puedan surgir se detectan en el papel. También ayuda a controlar el presupuesto ya que permite hacer la estimación de cuántos fotogramas se usarán y qué recursos se necesitarán. Esto evita gastos inesperados en el presupuesto. Otro beneficio es que, al todos los departamentos trabajar con el storyboard, todos tendrán el mismo mapa visual, lo cual facilitará que la comunicación sea clara entre departamentos o áreas de trabajo. Y si lo vemos desde el punto de vista de la narrativa, al facilitar la revisión de la estructura de la historia, ayudará a asegurar que los giros y clímax de las escenas tengan el peso indicado, por lo que hay una buena calidad narrativa.
Algunas de las herramientas que se usan para el paso del storyboard son las siguientes: Storyboard Pro, el cual es un software especializado que trae plantillas, capas y permite exportar en formatos de animación. También tenemos a Clip Studio Paint el cual permite dibujar paneles con precisión y usar cápas para versiones que puedan variar. Otra herramienta que se usa es Photoshop, este se usa para composiciones complejas y también cuando se debe integrar referencias fotográficas a las escenas.
Perfecto. Ya hemos hablado de qué es el storyboard, cómo se usa, qué beneficios aporta dentro de la producción y qué herramientas se usan. Ahora, veamos todo esto en la práctica con dos casos reales de animación.
Comencemos con Your Name. En esta película, Makoto Shinkai utilizó un storyboard muy detallado con la finalidad de planificar los cambios de perspectiva entre Tokio y la zona rural. Los planos se midieron en segundos, por lo que la sincronización de la banda sonora de RADWIMPS con la animación se hizo con precisión milimétrica. Impresionante, ¿no?
Tenemos también el caso de Attack on Titan. Para este anime, WIT Studio, creaba los storyboards enfatizando en la sensación de claustrofobia y vertigo para las escenas de acción. Las indicaciones de la cámara, donde se hacían desde ángulos bajos y tomas de seguimiento a los personajes en sus dispositivos de desplazamiento, fueron primordiales aquí para poder trasmitir a los expectadores la escala de los titanes y la desesperación de los personajes en los combates.
En estos casos, el storyboard no sólo era un soporte visual, sino que ayudó a tomar decisiones sobre el guion y el sonido.
Como podemos ver, el storyboard no es un paso innecesario. Sobre él se contruye todo el proyecto.
Bueno, creo que este post fue un tanto largo, pero realmente desglosar el proceso de animación es algo que me apasiona.
Antes de cerrar este post, les hago un resumen de cómo se integra el storyboard en todo el flujo de trabajo de la animación.
Se inicia con un guión. El guionista entrega el script al storyboard artist quien va a crear un borrador rápido, el rough storyboard, que ayuda a validar el ritmo y la estructura. El director y el productor lo revisan, añaden notas necesarias y aprueban la versión final. Con esto, se dibujan los planos definitivos con más detalles, se añaden las indicaciones de cámara y los tiempos exactos. Este es el key storyboard, el cual será convertido en un video de prueba, el animatic, con temporización y en ocasiones voces o música provisional. Ya con el animatic de referencia, los animadores comenzarán a crear los key frames, los in-between y los efectos.
Dime, ¿qué te ha parecido? ¿conocías de este proceso? ¡Compártelo con la comunidad en los comentarios!
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Fanart of "Mazinger Z" done by me
Hello, Manga and Anime Lovers Community!
In today’s post, we are going to talk about one of the vital tools when producing anime. This tool acts as a visual bridge between the written script and the final animation result, helping to translate the text into sequential images in a way that all departments can understand. We are talking about the Storyboard.
The directing, art, and animation teams would be working in the dark without a solid storyboard. This could lead to an increase in errors, which would necessitate reworking entire scenes and consequently raise production costs.
So, what exactly is a storyboard? Well, it’s essentially a series of sequentially drawn panels that represent the shots of a scene. A storyboard contains the following information: Camera directions (the angle, movement, zoom), as well as movement notes to indicate the timing of the action and how the character moves. It also includes time references indicating the approximate duration of the shot and the number of frames in the scene.
All these elements allow the art director, animators, and producers to have a common vision of the work before fully starting the animation.
In the Japanese animation industry, this step is usually divided into two stages: the key storyboard and the rough storyboard. The first is responsible for showing the most important shots, as well as the composition of the scenes and key moments. It serves as the main reference support document for the director and cinematographer. The second is used to plan the rhythm, fluidity of shots, and duration. It is an internal draft that is reviewed and improved before moving on to the Key Storyboard.
Completing this stage in anime production has several benefits. The first is that it allows for time savings since it reduces the need to redo entire animations, as problems can be detected on paper. It also helps control the budget, allowing estimation of how many frames will be used and what resources will be needed, thus avoiding unexpected expenses. Another benefit is that, as all departments work with the storyboard, everyone has the same visual map, which facilitates clear communication between different departments or work areas. From a narrative perspective, by facilitating the review of the story structure, it helps ensure that the twists and climaxes of scenes have the right impact, leading to good narrative quality.
Some of the tools used for the storyboard step include: Storyboard Pro, a specialized software that brings templates, layers, and allows exporting in animation formats. We also have Clip Studio Paint, which allows for precise panel drawing and layer use for different variations. Another tool that is used is Photoshop, which is utilized for complex compositions and when photographic references need to be integrated into scenes.
Great! We’ve talked about what a storyboard is, how it is used, what benefits it brings to production, and what tools are used. Now, let’s see all of this in practice with two real animation cases.
Let’s start with Your Name. In this film, Makoto Shinkai used a very detailed storyboard to plan the changes in perspective between Tokyo and the rural area. The shots were measured in seconds, allowing the synchronization of RADWIMPS's soundtrack with the animation to be done with extreme precision. Impressive, right?
We also have the case of Attack on Titan. For this anime, WIT Studio created storyboards emphasizing the sense of claustrophobia and vertigo for action scenes. The camera directions, which were made from low angles and tracking shots of the characters on their mobility devices, were crucial here to convey to viewers the scale of the titans and the despair of the characters in combat.
In these cases, the storyboard was not just a visual support, but it also aided in making decisions about the script and sound.
As we can see, the storyboard is not an unnecessary step. Everything in the project is built upon it.
Well, I think this post was somewhat lengthy, but breaking down the animation process is something I’m passionate about.
Before wrapping up this post, let me summarize how the storyboard integrates into the entire workflow of animation.
It starts with a script. The screenwriter delivers the script to the storyboard artist, who creates a quick draft, the rough storyboard, which helps validate the rhythm and structure. The director and producer review it, add necessary notes, and approve the final version. With this, the final shots are drawn in more detail, camera directions and exact timings are added. This is the key storyboard, which will be converted into a test video, the animatic, with timing and sometimes provisional voices or music. With the animatic as a reference, the animators will start creating the keyframes, in-betweens, and effects.
Tell me, what do you think? Did you know about this process? Share it with the community in the comments!
Disclaimer:English is not my native language. Even when I have a conversational level, I can make a lot of mistakes in the structure of the sentences. Feel free to kindly correct me. It will help me in my learning process. Thanks for your understanding.***
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