Texto borrador"Reencarnación y Descolonización:Un Arte desde el Sur" Nahu Padilla 12/2/26-UNEARTE-S3

Hi to all, my name its Nahu Padilla,

Hive account@nahupuku and this time Im going to show you my new art post: "Texto borrador"Reencarnación y Descolonización:Un Arte desde el Sur" Nahu Padilla 12/2/26-UNEARTE-S3"

This presentation outlines a specialization thesis titled Reincarnation and Decolonization: An Art from the South, proposing an artistic methodology rooted in the excavation of ancestral knowledge and its technological updating. Structured in seven "strata" rather than traditional chapters, the research connects the author's lineage—linked to figures such as Guaicaipuro and the healer Juan Evangelista Arbeláez—with contemporary tools like Python programming and Phono Paper for sound visualization. The "pocuinstrumento," a sculptural percussive installation, serves as both a device for collecting sensitive data and a bridge between ancestral pulse and binary code, validating reincarnation as an academic analytical category and the transmateriality of spirit into digital data.

Framed within epistemic and symbolic justice amid Venezuela's political blockade and over 1,080 sanctions, my work transforms scarcity into technological sovereignty. Drawing on Miguel Martínez Miguélez's sensitive ethnography and Narváez and Carmona's netnography, the research reclaims the body, sound, and even imperfection as valid human traces against hegemonic digital perfection. The outcome is a decolonial praxis that positions the Southern artist-researcher not as an object of study, but as a subject of power—capable of encoding collective memory and offering a replicable pedagogy for other creative practices in resistance.

Esta presentación expone una tesis de especialización titulada Reencarnación y decolonización: Un arte desde el Sur, que propone una metodología artística basada en la excavación de saberes ancestrales y su actualización tecnológica. Organizada en siete "estratos" en lugar de capítulos, la investigación articula el linaje del autor —conectado a figuras como Guaicaipuro y el curandero Juan Evangelista Arbeláez— con herramientas contemporáneas como programación en Python y visualización sonora con Phono Paper. El "pocuinstrumento", una instalación percutiva escultórica, funciona como dispositivo de recolección de datos sensibles y como puente entre el pulso ancestral y el código binario, validando la reencarnación como categoría de análisis académico y la transmaterialidad del espíritu al dato digital.

Mi trabajo se enmarca en una justicia epistémica y simbólica frente al bloqueo y las sanciones que afectan a Venezuela, transformando la carencia de recursos en soberanía tecnológica. Apoyándose en la etnografía sensible de Miguel Martínez Miguélez y la netnografía de Narváez y Carmona, la investigación reivindica el cuerpo, el sonido y el error como rastros humanos válidos frente a la perfección digital hegemónica. El resultado es una praxis decolonial que posiciona al artista-investigador del Sur no como objeto de estudio, sino como sujeto de poder, capaz de codificar su propia memoria colectiva y ofrecer una pedagogía replicable para otras creatividades en resistencia.

Previous Post - Para ver el post anterior:

@nahupuku/77674215

Clase Magistral:
Pintando el Sonido
por Nahu Padilla - 6/2/2026
Unearte Taller de Fotografía
CECA, Armando Reverón
Caracas, Venezuela
Prof. Juan Carlos Lugo
Nota:
A partir del minuto 16:27 en adelante hay imágenes y video, hasta el minuto 39:34

My work as an artist and teacher has always been a quest to understand art as a space for constant discovery, a sensitive link between the technical and the sacred. I see myself as an explorer of living processes that invite us to rethink our role in social transformation, where the time of creation is not something static, but a critical activation that is just beginning. In this master class, I wanted to open the doors of my personal laboratory to show you how sound, engineering, and matter merge into a single energy: one that allows us to paint the invisible and redimension our reality through technological experimentation and the manual gesture.

Here, I shared my method for "painting sound," a search that was born from my need to merge photography and computer engineering with plastic arts. It all started using apps like PhonoPaper to understand how a graphic can contain audio, but my curiosity led me to program my own software in Python. With this tool, I managed to make the microphone function as a brush: when I play my percussion battery—a giant sculpture that I built myself—the system translates every beat, rhythm, and frequency into unique strokes and textures on the screen. It is not something automatic or predictable; it is pure digital action painting where each improvisation session generates an unrepeatable canvas.

However, for me, the work is not real until it leaves the computer and becomes matter. That is why I print these results on Glasse 300 paper and intervene them physically: I use scissors, oil, threads, and even recycled materials to give them volume. What started as a sound wave ends up converted into a sculpture or a large-format installation, like those I have had the opportunity to exhibit at the Bienal del Sur in the Beaux Art Museum of Caracas. I want you to see that the blank canvas does not have to be the starting point; my canvas is sound, and my process is a constant deformation of that energy.

Finally, I emphasized that beyond technology, what matters is the concept and the discourse that sustains the piece. My works, such as the axe series, are not just about aesthetics; they are totems that recontextualize the sacred and the indigenous through a contemporary language that even includes artificial intelligence as an experiment. At the end of the day, my work as an artist is to redimension materials and not set limits for myself: if a photo can be audio and an audio can be a sculpture, then the possibilities for creation are truly infinite.

Spanish:

Mi trabajo como artista y docente siempre ha sido una búsqueda por entender el arte como un espacio de descubrimiento constante, un vínculo sensible entre lo técnico y lo sagrado. Me veo como un explorador de procesos vivos que nos invitan a repensar nuestro rol en la transformación social, donde el tiempo de la creación no es algo estático, sino una activación crítica que apenas comienza. En esta clase magistral, quise abrirles las puertas de mi laboratorio personal para mostrarles cómo el sonido, la ingeniería y la materia se funden en una sola energía: una que permite pintar lo invisible y redimensionar nuestra realidad a través de la experimentación tecnológica y el gesto manual.

Acá pueden "ver" mi método para "pintar el sonido", una búsqueda que nació de mi necesidad de fusionar la fotografía y la ingeniería informática con el arte plástico. Todo empezó usando apps como PhonoPaper para entender cómo un gráfico puede contener audio, pero mi curiosidad me llevó a programar mi propio software en Python. Con esta herramienta, logré que el micrófono funcione como un pincel: cuando toco mi batería de percusión —una escultura gigante que yo mismo construí—, el sistema traduce cada golpe, ritmo y frecuencia en trazos y texturas únicas en la pantalla. No es algo automático ni predecible; es puro action painting digital donde cada sesión de improvisación genera un lienzo irrepetible.

Sin embargo, para mí la obra no es real hasta que sale de la computadora y se vuelve materia. Por eso, imprimo estos resultados en papel glasse 300 y los intervengo físicamente: uso tijeras, óleo, hilos y hasta materiales de reciclaje para darles volumen. Lo que empezó como una onda sonora termina convertido en una escultura o una instalación de gran formato, como las que he tenido la oportunidad de exponer en la Bienal del Sur, en el Museo de Bellas Artes de Caracas. Me interesa que vean que el lienzo en blanco no tiene por qué ser el punto de partida; mi lienzo es el sonido y mi proceso es una deformación constante de esa energía.

Finalmente, les enfaticé que más allá de la tecnología, lo que importa es el concepto y el discurso que sostiene a la pieza. Mis obras, como la serie de las hachas, no son solo estética; son tótems que recontextualizan lo sagrado y lo indígena desde un lenguaje contemporáneo que incluye hasta la inteligencia artificial como experimento. Al final del día, mi labor como artista es redimensionar los materiales y no ponerme límites: si una foto puede ser audio y un audio puede ser una escultura, entonces las posibilidades de creación son realmente infinitas.