My new Artwork: The Axe of Guaicaipuro - 2025 by Hive account@nahupuku

My new Artwork: The Axe of Guaicaipuro

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Playlist:

https://www.youtube.com/playlist?list=PLukbPhsUZFUaYK0iPaSKkOntxHvgBGLnE

The artist, Nahu Padilla (

Hive account@nahupuku), presents an artistic process in three videos that combines music and technology to create a multimedia work inspired by musical influences from the 1970s, particularly the musician Vitas Brenner. In the first part, he describes his setup of keyboards and virtual synthesizers, highlighting how he emulates historical sounds using modern tools such as VST emulators. These virtual instruments allow him to recreate the characteristic sound textures of the 1970s, fusing them with contemporary elements. In the second part, Padilla explores the integration of a unique percussive instrument: a sound sculpture built in 2008. Through digital techniques such as vectorization and editing in Photoshop, he transforms musical recordings into visual representations, creating a synergy between sound and image. This interdisciplinary approach underscores the importance of technological and aesthetic experimentation in artistic creation.

In this third video, the artistic intervention of a work inspired by the concept of "Painting Sound" is explored. Using mixed techniques that combine recycled elements, such as cardboard, with traditional tools (crayons, markers, brushes, and oil paints) and digital technologies, Padilla transforms digital impressions derived from sound patterns into two-dimensional and three-dimensional plastic works. The creative process includes the vectorization of images, the application of colors through specific palettes, and the integration of codes generated by applications such as Phonopaper, which convert sounds into printable visual codes. The project is framed within research initiated by the artist in 1999, inspired by Russian theorists such as Yevgeny Murzin, creator of the ANS synthesizer, and composers like Alexander Scriabin. The proposal fuses music, visual art, and technology, connecting concepts such as Andrei Tarkovsky's "sculpting time" with the creation of abstract soundscapes. The resulting works are multimedia interventions that reflect a profound aesthetic and conceptual exploration, linking the digital with the tangible.

The title of my work, “The Axe of Guaicaipuro”, emerges as a symbolic homage to the indigenous chief who represents resistance against colonization in Venezuela. This project not only seeks to vindicate his historical figure but also to reinterpret it from a contemporary decolonial perspective, transforming him into an archetype of the hero who challenges oppressive structures of the past and present. The axe, as an iconic object, transcends its utilitarian function to become a symbol of struggle, sovereignty, and cultural empowerment. From an academic perspective, this work is situated within the field of decolonial studies, where art acts as a critical tool to dismantle hegemonic narratives and reconstruct subaltern identities. By reifying Guaicaipuro in the collective imagination as a decolonial hero, I propose a dialogue between the historical and the contemporary, inviting the viewer to reflect on how colonial wounds still resonate in our societies and how art can be a means to heal them.

In this creative process, the concept of "painting sound" acquires a profound political and cultural dimension. Just as composers and innovators such as Yevgeny Murzin, Alexander Scriabin, and Andrei Tarkovsky challenged Eurocentric artistic conventions of their time through experimentation with light, color, and sound, my work links these avant-garde practices with a decolonial sensibility inherent to Latin America. Although immersed in different contexts, the Russians also faced forms of cultural and political domination, developing tools and theories that sought to liberate art from its traditional constraints. Inspired by the ANS synthesizer and Scriabin's color theory, I use technology as a bridge between the ancestral and the modern, transforming sound patterns into visual representations that evoke historical memory and indigenous resistance. Each plastic intervention on the digital impressions generated from sounds acts as an "aesthetic reprogramming," where the audible becomes a visual cry for justice and emancipation. In this way, “The Axe of Guaicaipuro” is not only a multimedia work but also a decolonial manifesto that unites Russian experimental heritage with Latin American indigenous struggles, creating a hybrid artistic language that transcends borders and eras.

In this sense, the creative process behind “The Axe of Guaicaipuro” not only fuses music, technology, and visual art but also incorporates a deep ethical and aesthetic commitment to historical memory and social justice. Inspired by my more than 30 years of experience in the artistic field in Venezuela, I seek to build a bridge between ancestral knowledge and 21st-century technological innovations. Thus, this work is not only a multimedia artistic intervention but also a doctoral proposal that questions colonialist power dynamics and explores how art can contribute to the construction of emancipatory futures. Through this creation, I invite the audience to rethink the legacy of figures like Guaicaipuro not as relics of the past but as beacons that illuminate the path toward a more equitable and culturally aware society.

My Opinion:

In my videos, I present an interdisciplinary creative process that fuses music, visual art, and technology under the concept of "Painting and Sculpting Sound." This project is inspired by artistic and technological research I began developing in 1999, but which has historical roots in key figures such as Yevgeny Murzin, Alexander Scriabin, Andrei Tarkovsky, and Alexander Zolotov. Through mixed techniques that combine the digital with the tangible, I explore how sound can materialize into visual and plastic forms, generating a multimedia experience that transcends the boundaries between disciplines.

The theoretical starting point of my project lies in the ANS synthesizer, created by Russian engineer Yevgeny Murzin between 1937 and 1957. This revolutionary instrument used photo-optical methods to convert printed images into sounds, allowing the creation of music without musicians or conventional instruments. Murzin based his work on the idea of modulating light through glass discs, each with 144 individual tracks that generated microtones distributed across 10 octaves. This technology profoundly influenced Soviet composers such as Eduard Artemyev, who used the ANS to create iconic soundtracks for films like *Solaris* by Andrei Tarkovsky. The legacy of the ANS is evident in current digital tools, such as the Virtual ANS software developed by Alexander Zolotov, which emulates the operation of the original synthesizer and allows the creation of printable visual sound codes.

Another fundamental influence for me is Alexander Scriabin, a Russian composer and pianist known for his color theory applied to the piano. Scriabin proposed that each musical note corresponded to a specific color, laying the groundwork for the integration of the auditory and the visual in art. This idea resonated in later movements such as kineticism and constructivism and is reflected in my work as I transform sound patterns into visual graphics, which I then physically intervene using mixed techniques such as painting, collage, and sculpture.

The philosophical concept behind my project is also nourished by the ideas of Andrei Tarkovsky, especially his notion of "sculpting time." According to Tarkovsky, cinema and art must capture fragments of time to reveal their emotional and poetic essence. I adopt this idea when working with digital impressions derived from sounds, which represent immortalized blocks of time. These impressions become canvases for plastic interventions, where every detail (colors, textures, forms) contributes to the conceptual narrative of the work.

Phonopaper Graphic:

Finally, the key tool for connecting the analog and the digital in my project is Phonopaper, an application created by Alexander Zolotov. Phonopaper allows me to translate sounds into visual codes similar to barcodes, which I can print and reproduce later with the same app. This technology democratizes access to the creation of visual sounds, as it works with any camera and does not require an internet connection. Phonopaper is a modern evolution of the ANS legacy, allowing me to experiment with the conversion of audio into images and vice versa.

In summary, my project is a profound exploration of how sound can be "painted" and "sculpted" through the convergence of historical theories and contemporary tools. Inspired by figures such as Murzin, Scriabin, Tarkovsky, and Zolotov, I create a dialogue between the digital and the tangible, the auditory and the visual, the historical and the modern. This approach not only pays tribute to the pioneers of experimental art but also expands their ideas toward new forms of artistic expression in the 21st century.

Artworks:

I used Photoshop, Inkscape, PukuDrums, M-Audio Ozone, Reason4, Reaper, Sine, MiniKorg, MiniMoog, Moog 2600, Arturia, Valhala, PhonoPaper, Mirror Lab, 8 Bit Photo Lab app.

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Masters:

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Spanish:

Presentación: El Hacha de Guaicaipuro
El artista, Nahu Padilla (Hive account@nahupuku), presenta un proceso artístico en tres videos que combina música y tecnología para crear una obra multimedia inspirada en influencias musicales de los años 70, particularmente en el músico Vitas Brenner. En la primera parte, describe su configuración de teclados y sintetizadores virtuales, destacando cómo emula sonidos históricos mediante herramientas modernas como emuladores VST. Estos instrumentos virtuales permiten recrear las texturas sonoras características de los años 70, fusionándolas con elementos contemporáneos. En la segunda parte, Padilla explora la integración de un instrumento percusivo único: una escultura sonora construida en 2008. A través de técnicas digitales como vectorización y edición en Photoshop, transforma las grabaciones musicales en representaciones visuales, creando una sinergia entre sonido e imagen. Este enfoque interdisciplinario subraya la importancia de la experimentación tecnológica y estética en la creación artística.
En este tercer video, se explora la intervención artística de una obra inspirada en el concepto de "Pintar el Sonido." Utilizando técnicas mixtas que combinan elementos reciclados, como cartón, con herramientas tradicionales (crayones, marcadores, pinceles y pintura al óleo) y tecnologías digitales, Padilla transforma impresiones digitales derivadas de patrones sonoros en obras plásticas bidimensionales y tridimensionales. El proceso creativo incluye la vectorización de imágenes, la aplicación de colores mediante paletas específicas y la integración de códigos generados por aplicaciones como Phonopaper, que convierten sonidos en códigos visuales imprimibles.
El proyecto se enmarca en investigaciones iniciadas por el artista desde 1999, inspirado por teóricos rusos como Evgeny Murzin, creador del sintetizador ANS, y compositores como Alexander Scriabin. La propuesta fusiona música, arte visual y tecnología, conectando conceptos como el "esculpir el tiempo" de Andrei Tarkovsky con la creación de paisajes sonoros abstractos. Las obras resultantes son intervenciones multimedia que reflejan una búsqueda estética y conceptual profunda, vinculando lo digital con lo tangible.

El Hacha de Guaicaipuro

El título de mi obra, “El Hacha de Guaicaipuro”, emerge como un homenaje simbólico al cacique indígena que representa la resistencia contra la colonización en Venezuela. Este proyecto no solo busca reivindicar su figura histórica, sino también reinterpretarla desde una perspectiva decolonial contemporánea, transformándola en un arquetipo del héroe que desafía las estructuras opresivas del pasado y del presente. El hacha, como objeto icónico, trasciende su función utilitaria para convertirse en un símbolo de lucha, soberanía y empoderamiento cultural. Desde un enfoque académico, esta obra se inscribe en el campo de los estudios decoloniales, donde el arte actúa como herramienta crítica para desmontar narrativas hegemónicas y reconstruir identidades subalternizadas. Al reificar a Guaicaipuro en el imaginario colectivo como un héroe decolonial, propongo un diálogo entre lo histórico y lo contemporáneo, invitando al espectador a reflexionar sobre cómo las heridas coloniales aún resuenan en nuestras sociedades y cómo el arte puede ser un medio para sanarlas.
En este proceso creativo, el concepto de "pintar el sonido" adquiere una dimensión política y cultural profunda. Así como los compositores e innovadores rusos como Yevgeny Murzin, Alexander Scriabin y Andrei Tarkovsky desafiaron las convenciones artísticas eurocéntricas de su tiempo mediante la experimentación con luz, color y sonido, mi obra vincula estas prácticas vanguardistas con una sensibilidad decolonial propia de América Latina. Los rusos, aunque inmersos en contextos diferentes, también enfrentaron formas de dominación cultural y política, desarrollando herramientas y teorías que buscaban liberar al arte de sus ataduras tradicionales. Inspirado por el sintetizador ANS y la teoría del color de Scriabin, utilizo la tecnología como un puente entre lo ancestral y lo moderno, transformando patrones sonoros en representaciones visuales que evocan la memoria histórica y la resistencia indígena. Cada intervención plástica sobre las impresiones digitales generadas a partir de sonidos actúa como una "reprogramación estética", donde lo audible se convierte en un grito visual de justicia y emancipación. De esta manera, “El Hacha de Guaicaipuro” no solo es una obra multimedia, sino también un manifiesto decolonial que une la herencia rusa experimental con las luchas indígenas latinoamericanas, creando un lenguaje artístico híbrido que trasciende fronteras y épocas.
En este sentido, el proceso creativo detrás de “El Hacha de Guaicaipuro” no solo fusiona música, tecnología y arte visual, sino que también incorpora un profundo compromiso ético y estético con la memoria histórica y la justicia social. Inspirado por mis más de 30 años de experiencia en el ámbito artístico en Venezuela, busco generar un puente entre el conocimiento ancestral y las innovaciones tecnológicas del siglo XXI. Así, esta obra no solo es una intervención artística multimedia, sino también una propuesta doctoral que cuestiona las dinámicas de poder colonialistas y explora cómo el arte puede contribuir a la construcción de futuros emancipatorios. A través de esta creación, invito al público a repensar el legado de figuras como Guaicaipuro no como reliquias del pasado, sino como faros que iluminan el camino hacia una sociedad más equitativa y consciente de sus raíces.

Opinión personal:

En mis tres videos, presento un proceso creativo interdisciplinario que fusiona música, arte visual y tecnología bajo el concepto de "Pintar y Esculpir el Sonido". Este proyecto está inspirado en investigaciones artísticas y tecnológicas que empecé a desarrollar desde 1999, pero que tienen raíces históricas en figuras clave como Yevgeny Murzin, Alexander Scriabin, Andrei Tarkovsky y Alexander Zolotov. A través de técnicas mixtas que combinan lo digital con lo tangible, exploro cómo el sonido puede materializarse en formas visuales y plásticas, generando una experiencia multimedia que trasciende las barreras entre disciplinas.
El punto de partida teórico de mi proyecto se encuentra en el sintetizador ANS, creado por el ingeniero ruso Yevgeny Murzin entre 1937 y 1957. Este instrumento revolucionario utilizaba métodos foto-ópticos para convertir imágenes impresas en sonidos, permitiendo la creación de música sin músicos ni instrumentos convencionales. Murzin basó su trabajo en la idea de modular luz a través de discos de vidrio, cada uno con 144 pistas individuales que generaban microtonos distribuidos en 10 octavas. Esta tecnología influyó profundamente en compositores soviéticos como Eduard Artemyev, quien utilizó el ANS para crear bandas sonoras icónicas para películas como Solari* de Andrei Tarkovsky. El legado del ANS es evidente en las herramientas digitales actuales, como el software Virtual ANS desarrollado por Alexander Zolotov, que emula el funcionamiento del sintetizador original y permite la creación de códigos sonoros visuales imprimibles.
Otra influencia fundamental para mí es Alexander Scriabin, compositor y pianista ruso conocido por su teoría del color aplicada al piano. Scriabin propuso que cada nota musical correspondía a un color específico, sentando las bases para la integración de lo auditivo y lo visual en el arte. Esta idea resonó en movimientos posteriores como el cinetismo y el constructivismo, y se refleja en mi trabajo al transformar patrones sonoros en gráficos visuales que luego intervengo físicamente mediante técnicas mixtas como pintura, collage y escultura.
El concepto filosófico detrás de mi proyecto también se nutre de las ideas de Andrei Tarkovsky, especialmente su noción de "esculpir el tiempo". Según Tarkovsky, el cine y el arte deben capturar fragmentos de tiempo para revelar su esencia emocional y poética. Adopto esta idea al trabajar con impresiones digitales derivadas de sonidos, las cuales representan bloques de tiempo inmortalizados. Estas impresiones se convierten en lienzos para intervenciones plásticas, donde cada detalle (colores, texturas, formas) contribuye a la narrativa conceptual de la obra.
Finalmente, la herramienta clave para conectar lo analógico y lo digital en mi proyecto es Phonopaper, una aplicación creada por Alexander Zolotov. Phonopaper me permite traducir sonidos en códigos visuales similares a códigos de barras, los cuales puedo imprimir y reproducir posteriormente con la misma app. Esta tecnología democratiza el acceso a la creación de sonidos visuales, ya que funciona con cualquier cámara y no requiere conexión a internet. Phonopaper es una evolución moderna del legado del ANS, permitiéndome experimentar con la conversión de audio en imágenes y viceversa.

En resumen, mi proyecto es una exploración profunda de cómo el sonido puede ser "pintado" y "esculpido" mediante la convergencia de teorías históricas y herramientas contemporáneas. Inspirándome en figuras como Murzin, Scriabin, Tarkovsky y Zolotov, creo un diálogo entre lo digital y lo tangible, lo auditivo y lo visual, lo histórico y lo moderno. Este enfoque no solo rinde homenaje a los pioneros del arte experimental, sino que también amplía sus ideas hacia nuevas formas de expresión artística en el siglo XXI.