Painting the sound with my PukuInstrument (Homemade Drumset) - 2025 by Hive account@nahupuku

Pintando el sonido con mi PukuInstrumento (Batería)

The artist, Nahu Padilla (

Hive account@nahupuku), presents an artistic process in this new video that combines music and technology to create a multimedia artwork.

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My Quest to Paint Sound

For over two decades, my creative work has revolved around the intersection of music, visual art, and technology. Inspired by key figures such as Yevgeny Murzin, Alexander Scriabin, Andrei Tarkovsky, and Alexander Zolotov, I have explored how sound can be materialized into visual and plastic forms, creating a multimedia experience that transcends disciplinary boundaries. However, my most recent research represents a significant shift in this process: I now focus on "painting sound" using the percussive rhythm of the drum set as a starting point.

This new approach stems from my fascination with the drum set's ability to modulate intensities, frequencies, and sonic textures. Through digital tools like Phonopaper, developed by Alexander Zolotov, I have managed to translate drum hits into printable visual codes, which act as intermediaries between the auditory and the tangible. These codes not only capture the essence of percussive sound but also become canvases for manual plastic interventions, allowing me to reinterpret them through mixed techniques such as painting, collage, and sculpture.

For me, this experiment is not just an extension of my previous research but a reinvention of it. By working with the drum set, I discover new dimensions of rhythm and its potential to generate dynamic visual forms. Each drum hit not only produces a sound but also a visual event that can be captured, transformed, and reinterpreted. This process allows me to explore the relationship between time, space, and materiality, establishing a profound dialogue between the ephemeral nature of sound and the permanence of the image.

In this art manifesto, I share my methodology, theoretical reflections, and practical findings, with the hope of inspiring other artists, musicians, and technologists to embark on their own interdisciplinary explorations. This project not only pays homage to the legacy of pioneers in experimental art but also expands their ideas toward new forms of artistic expression in the 21st century.

Sound as Plastic Matter

In the interdisciplinary realm of contemporary arts, the relationship between the auditory and the visual has been explored from multiple perspectives, ranging from the pioneering investigations of Alexander Scriabin on musical synesthesia to the technological advancements of the ANS synthesizer developed by Yevgeny Murzin. However, my current proposal expands these ideas into uncharted territory: the transformation of percussive sound from the drum set into tangible visual forms through the integration of digital codes and experimental painting techniques. This project not only redefines the notion of "painting sound" but also establishes a profound dialogue between rhythm, technology, and plastic materiality.

My homemade drum set, as a primarily rhythmic instrument, becomes the core of this investigation. Through its ability to modulate intensities, frequencies, and sonic textures, I propose a methodology that translates these elements into dynamic visual patterns, which can be manually intervened upon or automated through digital tools. This approach not only pays homage to the historical legacy of figures such as Murzin, Scriabin, Andrei Tarkovsky, and Alexander Zolotov but also extends their ideas toward new forms of artistic expression in the 21st century.

The Theoretical Framework: From Percussion to Visual Code The starting point of this experiment is the premise that sound can be broken down, analyzed, and reconstructed as plastic matter. Drawing inspiration from the work of Yevgeny Murzin, who revolutionized musical creation by converting printed images into sounds, I adapt this idea to the percussive context of the drum set. By using tools like Phonopaper, I transform drum hits into printable visual codes, which act as intermediaries between the auditory and the tangible.

This process of sonic translation is not merely technical; it is an artistic intervention that seeks to reveal the internal structure of rhythm. Each drum hit generates a unique pattern that reflects its intensity, duration, and frequency. Once materialized as visual codes, these patterns become canvases for plastic intervention. Through mixed techniques such as painting, collage, and sculpture, I reinterpret these codes, giving them a new aesthetic and conceptual dimension.

The Drum Set as a Generative Instrument

The choice of the drum set as a sound source is not arbitrary. As a percussive instrument, the drum set possesses a unique quality: its capacity to modulate time and space through rhythm. In my experiments, each strike of the drum set not only produces a sound but also a visual event that can be captured and transformed. This dualism between the auditory and the visual resonates with the ideas of Andrei Tarkovsky, who conceived art as an act of "sculpting time." By working with visual codes generated by the sound of the drum set, I materialize immortalized fragments of time, allowing each strike to become a permanent imprint on the canvas.

Furthermore, the polyrhythmic nature of the drum set introduces an additional layer of complexity to the process. The different timbres and frequencies produced by each element of the drum set (snare, bass drum, cymbals, etc.) generate distinctive visual patterns, which can be interpreted as metaphors for rhythmic diversity. This multiplicity of visual forms reflects the richness of percussive language, establishing a bridge between the abstract and the concrete.

The Integration of the Digital and the Tangible

One of the most innovative aspects of this project is the convergence between the digital and the tangible. Technological tools like Phonopaper and custom Python scripts allow for the automatic translation of sound into visual codes. However, the process does not end here. Once generated, these codes are manually intervened through traditional plastic techniques, creating a dialogue between the analog and the digital.

This duality reflects a central creative tension in my work: the search for balance between algorithmic precision and artisanal spontaneity. By combining these two dimensions, I propose a new way of understanding artistic creation, where technology does not replace the artist but amplifies their expressive possibilities.

Toward a New Aesthetic of Sound

This experiment of "painting sound" with the drum set represents a significant evolution in my artistic trajectory. By fusing percussive rhythm with the generation of visual codes and their subsequent plastic intervention, I create a system that transcends disciplinary boundaries, connecting music, visual art, and technology in a unified process.

Inspired by the ideas of Murzin, Scriabin, Tarkovsky, and Zolotov, I propose a new aesthetic of sound, where each drum hit becomes a multimedia artwork. This approach not only pays homage to the pioneers of experimental art but also opens new possibilities for artistic creation in the 21st century. By materializing sound into visual and plastic forms, I invite the viewer to reflect on the ephemeral nature of time and the permanence of memory, exploring the boundaries between the audible, the visible, and the tangible.

A Call to Experimentation

Finally, this manifesto is not intended as a definitive conclusion but as an open invitation to experimentation. In my artistic practice, I have developed a program in Python that uses sound captured by a microphone to generate real-time visual strokes. By pressing the left mouse button, the program translates sound into dynamic visual art. By sharing this process, I aim to inspire other artists, musicians, and technologists to explore the connections between sound and image, rhythm and form, the digital and the analog. Together, we can continue to expand the boundaries of what is possible, creating new narratives that celebrate the intersection of disciplines and the infinite creativity of humanity.

Spanish:

Mi Búsqueda por Pintar el Sonido
Desde hace más de dos décadas, mi trabajo creativo ha girado en torno a la intersección entre música, arte visual y tecnología. Inspirado por figuras clave como Yevgeny Murzin, Alexander Scriabin, Andrei Tarkovsky y Alexander Zolotov, he explorado cómo el sonido puede materializarse en formas visuales y plásticas, creando una experiencia multimedia que trasciende las barreras entre disciplinas. Sin embargo, mi investigación más reciente representa un giro significativo en este proceso: ahora me enfoco en “pintar el sonido" utilizando el ritmo percusivo de la batería como punto de partida.

Este nuevo acercamiento surge de mi fascinación por la capacidad de la batería para modular intensidades, frecuencias y texturas sonoras. A través de herramientas digitales como Phonopaper, desarrollada por Alexander Zolotov, he logrado traducir los golpes de la batería en códigos visuales imprimibles, los cuales actúan como intermediarios entre lo auditivo y lo tangible. Estos códigos no solo capturan la esencia del sonido percusivo, sino que también se convierten en lienzos para intervenciones plásticas manuales, permitiéndome reinterpretarlos mediante técnicas mixtas como pintura, collage y escultura.

Para mí, este experimento no es solo una extensión de mis investigaciones anteriores, sino una reinvención de ellas. Al trabajar con la batería, descubro nuevas dimensiones del ritmo y su potencial para generar formas visuales dinámicas. Cada golpe de la batería no solo produce un sonido, sino también un evento visual que puede ser capturado, transformado y reinterpretado. Este proceso me permite explorar la relación entre tiempo, espacio y materialidad, estableciendo un diálogo profundo entre lo efímero del sonido y la permanencia de la imagen.

En este manifiesto, comparto mi metodología, mis reflexiones teóricas y mis hallazgos prácticos, con la esperanza de inspirar a otros artistas, músicos y tecnólogos a embarcarse en sus propias exploraciones interdisciplinarias. Este proyecto no solo rinde homenaje al legado de los pioneros del arte experimental, sino que también amplía sus ideas hacia nuevas formas de expresión artística en el siglo XXI.

El Cuerpo Teórico: De la Percusión al Código Visual
El punto de partida de este experimento es la premisa de que el sonido puede ser descompuesto, analizado y reconstruido como materia plástica. Inspirándome en el trabajo de Yevgeny Murzin, quien revolucionó la creación musical mediante la conversión de imágenes impresas en sonidos, adapto esta idea al contexto percusivo de la batería. Al utilizar herramientas como Phonopaper, transformo los golpes de la batería en códigos visuales imprimibles, los cuales actúan como intermediarios entre lo auditivo y lo tangible.

Este proceso de traducción sonora no es meramente técnico; es una intervención artística que busca revelar la estructura interna del ritmo. Cada golpe de la batería genera un patrón único que refleja su intensidad, duración y frecuencia. Estos patrones, una vez materializados como códigos visuales, se convierten en lienzos para la intervención plástica. A través de técnicas mixtas como la pintura, el collage y la escultura, reinterpreto estos códigos, otorgándoles una nueva dimensión estética y conceptual.

La Batería como Instrumento Generativo
La elección de la batería como fuente sonora no es arbitraria. Como instrumento percusivo, la batería posee una cualidad única: su capacidad para modular el tiempo y el espacio a través del ritmo. En mis experimentos, cada golpe de la batería no solo produce un sonido, sino también un evento visual que puede ser capturado y transformado. Este dualismo entre lo auditivo y lo visual resuena con las ideas de Andrei Tarkovsky, quien concebía el arte como un acto de "esculpir el tiempo". Al trabajar con códigos visuales generados por el sonido de la batería, materializo fragmentos de tiempo inmortalizados, permitiendo que cada golpe se convierta en una huella permanente en el lienzo.

Además, la naturaleza polirrítmica de la batería introduce una complejidad adicional al proceso. Los diferentes timbres y frecuencias producidos por cada elemento de la batería (caja, bombo, platillos, etc.) generan patrones visuales distintivos, los cuales pueden ser interpretados como metáforas de la diversidad rítmica. Esta multiplicidad de formas visuales refleja la riqueza del lenguaje percusivo, estableciendo un puente entre lo abstracto y lo concreto.

La Integración de Lo Digital y Lo Tangible
Uno de los aspectos más innovadores de este proyecto es la convergencia entre lo digital y lo tangible. Las herramientas tecnológicas, como Phonopaper y scripts personalizados basados en Python, permiten la traducción automática del sonido en códigos visuales. Sin embargo, el proceso no termina aquí. Una vez generados, estos códigos son intervenidos manualmente mediante técnicas plásticas tradicionales, creando un diálogo entre lo analógico y lo digital.

Esta dualidad refleja una tensión creativa central en mi trabajo: la búsqueda de equilibrio entre la precisión algorítmica y la espontaneidad artesanal. Al combinar estas dos dimensiones, propongo una nueva forma de entender la creación artística, donde la tecnología no reemplaza al artista, sino que amplifica sus posibilidades expresivas.

Hacia una Nueva Estética del Sonido
Este experimento de "pintar el sonido" con la batería representa una evolución significativa en mi trayectoria artística. Al fusionar el ritmo percusivo con la generación de códigos visuales y su posterior intervención plástica, creo un sistema que trasciende las barreras disciplinarias, conectando música, arte visual y tecnología en un proceso unificado.

Inspirándome en las ideas de Murzin, Scriabin, Tarkovsky y Zolotov, propongo una nueva estética del sonido, donde cada golpe de la batería se convierte en una obra de arte multimedia. Este enfoque no solo rinde homenaje a los pioneros del arte experimental, sino que también abre nuevas posibilidades para la creación artística en el siglo XXI. Al materializar el sonido en formas visuales y plásticas, invito al espectador a reflexionar sobre la naturaleza efímera del tiempo y la permanencia de la memoria, explorando así las fronteras entre lo audible, lo visible y lo tangible.

Un Llamado a la Experimentación
Finalmente, este manifiesto no pretende ser un cierre definitivo, sino una invitación abierta a la experimentación. En mi práctica artística, he desarrollado un programa en Python que utiliza el sonido capturado por un micrófono para generar trazos visuales en tiempo real. Al presionar el botón izquierdo del mouse, el programa traduce el sonido en dibujos dinámicos, permitiendo una interacción fluida entre el artista y la tecnología. Herramientas como Photoshop se integran en este proceso, facilitando la exploración de colores, formas y texturas. Este enfoque no solo democratiza el acceso a la creación multimedia, sino que también celebra la infinita creatividad humana al combinar lo auditivo, lo visual y lo tangible. Al compartir este proceso, busco inspirar a otros artistas, músicos y tecnólogos a explorar las conexiones entre el sonido y la imagen, el ritmo y la forma, lo digital y lo analógico. Juntos, podemos seguir expandiendo los límites de lo posible, creando nuevas narrativas que celebren la intersección entre disciplinas y la infinita creatividad humana.