This publication was also writen in SPANISH and PORTUGUESE.
Synopsis: Shelly is a dancer in her 50s who must face a sad professional reality: a show that has been her lifeblood for over 30 years is coming to an end. Now, she must find a new professional path while simultaneously dealing with her personal frustrations (which include a troubled relationship with her own daughter).
Aging is a natural process for human beings (and fortunate are those who experience it), but it tends to become quite complex when it occurs within environments that constantly strive for the "eternal youth" of bodies (especially female ones) to the detriment of skills and talents acquired over the years. This movie offers a sensitive and raw portrayal of this reality, as Shelly, a 57-year-old woman who has made her living dancing for 30 years, must face the unexpected end of her stage career. Fighting against yourself can be your greatest challenge, because you understand that it's a constant struggle.
Le Razzle Dazzle, as the protagonist herself describes it, is an exquisite show that "follows the tradition of the Lido in Paris". However, unlike the reality of the past, modern society values other types of shows, and this production full of feathers and sequins no longer attracts audiences (thus justifying its ending, which, even so, was somewhat unexpected for Shelly... perhaps because she believed she would be a lifelong dancer, physically speaking). From this event on, things begin to change in her life, but everything changes very quickly, bringing with it intense emotions. The crux of the issue that justifies the existence of this movie is very important and certainly deserves much discussion.
The way this script developed the story isn't groundbreaking, but it was very assertive in its approach (although it lacked considerably more depth in terms of not only its dilemmas, but especially its characters within a broader context). Amidst the dramatic episodes with significant weight, the plot brings to the light themes such as ageism, the clash of reality between generations, and redefinition... as well as a nice return to the past in a mother-daughter dynamic, seeking to untie knots still brutally tied. The script navigates the themes well, but does so a bit too shallowly, even though it was "functional".
There's a very consistent duality of concepts here, and primarily, it all centers on how the two generations view the same scenario: while Shelly and her friend Annette (older women) see their jobs as their greatest achievements, Jodie and Mary Anne (younger women) simply view their jobs as "professional rituals" that are easy to overcome. However, for Shelly, everything is more intense and becomes more important here because it connects with who she is as a person and represents everything she had to give up to live all this. How far will someone go to achieve a dream? And once they achieve it, what are they willing to do to stay there?
Sometimes, the movie seems a bit superficial (even due to the sometimes very clear "visual plasticity"), but the vulnerability of the plot will certainly resonate with those who have experienced something similar in their lives. Aging is never the issue, but rather how the people around us (especially those who hold power in the capitalist world) view age (which is just another number among many others). Shelly is in the midst of the conflict, and because of it, she begins to reevaluate her life, but she doesn't regret anything. This ultimately leads to an existential crisis, which worsens as the final show approaches.
Her greatest "loss" was the estrangement from her own daughter, Hannah, with whom she struggles to have a good relationship today. Both are trying to better understand what happened in the past, and in the midst of this search for explanations, an opportunity for reconciliation, long awaited by both sides, arises. The script's pacing is slow and intimate, all in an attempt to make the plot development more personal, which it does. However, there are moments where everything is so "slow" that it becomes emotionally "inert" (even though it's a fast-paced movie, its 80 minutes don't do it much favors when we consider the full context of all the plot threads).
Anyway, this doesn't diminish the brilliance of this project at all, which, incidentally, is Pamela Anderson's best starring role to date. Building a dreamy, sensitive, and somewhat "naive" character in the face of the world around her, what she did here certainly showed the audience that she can act (and it was a powerful performance). Alongside her, we have Jamie Lee Curtis, who delivers interesting moments (even within a more "artificial" bubble), as well as Dave Bautista, Kiernan Shipka and Brenda Song (with much less screen time, and even less relevance within the overall context... despite being "functional" and notable characters).
The Last Showgirl is a very simple movie (including all its technical aspects), but very precise in addressing the themes it brings to the table. Gia Coppola did a very moving job as director, because even without major scenes, the plot still manages to impact the magnitude of what needs to be said and shown to the audience (such as a scene where Shelly exposes the industry's approach to older dancers). The courage of the project makes it something worth watching, especially since it avoided the "clichés" of the universe to which it belongs (such as avoiding vulgar scenes involving gratuitous nudity or episodes involving physical violence), and this is significant.
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CRÍTICA DE PELÍCULA: “The Last Showgirl” (2024)
Sinopsis: Shelly es una bailarina de unos 50 años que debe enfrentarse a una triste realidad profesional: un espectáculo que ha sido su alma durante más de 30 años llega a su fin. Ahora, debe encontrar un nuevo camino profesional mientras lidia con sus frustraciones personales (que incluyen una relación problemática con su propia hija).
Envejecer es un proceso natural para los seres humanos (y afortunados son quienes lo experimentan), pero tiende a volverse bastante complejo cuando ocurre en entornos que buscan constantemente la "eterna juventud" de los cuerpos (especialmente los femeninos) en detrimento de las habilidades y talentos adquiridos con los años. Esta película ofrece un retrato sensible y crudo de esta realidad, ya que Shelly, una mujer de 57 años que se ha ganado la vida bailando durante 30 años, debe enfrentar el final inesperado de su carrera escénica. Luchar contra uno mismo puede ser su mayor desafío, porque comprende que es una lucha constante.
Le Razzle Dazzle, como lo describe la propia protagonista, es un espectáculo exquisito que "sigue la tradición del Lido de París". Sin embargo, a diferencia de la realidad del pasado, la sociedad moderna valora otros tipos de espectáculos, y esta producción llena de plumas y lentejuelas ya no atrae al público (lo que justifica su final, que, aun así, fue algo inesperado para Shelly... quizás porque creía que sería una bailarina de por vida, físicamente hablando). A partir de este suceso, las cosas empiezan a cambiar en su vida, pero todo cambia muy rápidamente, trayendo consigo intensas emociones. El quid de la cuestión que justifica la existencia de esta película es muy importante y sin duda merece mucho debate.
La forma en que este guion desarrolla la historia no es innovadora, pero su enfoque es muy asertivo (aunque le faltaba mucha más profundidad, no solo en sus dilemas, sino especialmente en sus personajes dentro de un contexto más amplio). Entre los episodios dramáticos de gran peso, la trama ilumina temas como la discriminación por edad, el choque de realidades entre generaciones y la redefinición... además de un agradable regreso al pasado en una dinámica madre-hija, que busca desatar nudos aún brutalmente atados. El guion aborda bien los temas, pero lo hace con demasiada superficialidad, a pesar de ser "funcional".
Aquí hay una dualidad conceptual muy consistente, y principalmente, todo se centra en cómo las dos generaciones ven el mismo escenario: mientras Shelly y su amiga Annette (mujeres mayores) ven sus trabajos como sus mayores logros, Jodie y Mary Anne (mujeres más jóvenes) simplemente los ven como "rituales profesionales" fáciles de superar. Sin embargo, para Shelly, todo es más intenso y cobra mayor importancia aquí porque conecta con su identidad como persona y representa todo lo que tuvo que renunciar para vivir todo esto. ¿Hasta dónde llegaría alguien para alcanzar un sueño? Y una vez que lo logra, ¿qué está dispuesto a hacer para mantenerse?
A veces, la película parece un poco superficial (incluso debido a su a veces muy evidente "plasticidad visual"), pero la vulnerabilidad de la trama sin duda conectará con quienes hayan experimentado algo similar. El envejecimiento nunca es el problema, sino cómo quienes nos rodean (especialmente quienes ostentan el poder en el mundo capitalista) perciben la edad (que es solo un número más entre muchos otros). Shelly se encuentra en medio del conflicto, y debido a ello, comienza a reevaluar su vida, pero no se arrepiente de nada. Esto finalmente la lleva a una crisis existencial, que se agrava a medida que se acerca el último show.
Su mayor pérdida fue el distanciamiento de su hija, Hannah, con quien lucha por mantener una buena relación. Ambas intentan comprender mejor lo sucedido en el pasado, y en medio de esta búsqueda de explicaciones, surge una oportunidad de reconciliación, largamente esperada por ambas partes. El ritmo del guion es lento e íntimo, con el objetivo de que el desarrollo de la trama sea más personal, lo cual logra. Sin embargo, hay momentos en los que todo es tan lento que se vuelve emocionalmente inerte (aunque es una película de ritmo rápido, sus 80 minutos no le hacen mucho favor si consideramos el contexto completo de todos los hilos argumentales).
De todos modos, esto no disminuye la brillantez de este proyecto, que, dicho sea de paso, es el mejor papel protagonista de Pamela Anderson hasta la fecha. Al construir un personaje soñador, sensible y algo ingenuo frente al mundo que la rodea, lo que hizo aquí sin duda demostró al público que sabe actuar (y fue una actuación poderosa). Junto a ella, tenemos a Jamie Lee Curtis, quien ofrece momentos interesantes (incluso dentro de una burbuja más artificial), así como a Dave Bautista, Kiernan Shipka y Brenda Song (con mucho menos tiempo en pantalla y aún menos relevancia en el contexto general... a pesar de ser personajes "funcionales" y muy notables).
The Last Showgirl es una película muy sencilla (incluyendo todos sus aspectos técnicos), pero muy precisa al abordar los temas que plantea. Gia Coppola realizó una labor de dirección muy conmovedora, pues incluso sin escenas importantes, la trama logra impactar la magnitud de lo que debe decirse y mostrarse al público (como una escena en la que Shelly expone el enfoque de la industria hacia las bailarinas mayores). La valentía del proyecto la convierte en algo que vale la pena ver, especialmente porque evitó los clichés del universo al que pertenece (como evitar escenas vulgares con desnudez gratuita o episodios de violencia física), lo cual es significativo.
CRÍTICA DE FILME: ”A Última Showgirl” (2024)
Sinopse: Shelly é uma dançarina que, na casa dos 50 anos, precisa enfrentar uma triste realidade profissional: um show que foi à sua vida por mais de 30 anos vai chegar ao fim. Agora, ela precisa encontrar um novo caminho profissional, e ao mesmo tempo, lidar com suas frustrações pessoais (que inclui um relacionamento conturbado com à própria filha).
Envelhecer é o processo natural dos seres humanos (e felizes são aqueles que vivem essa experiência), mas isso tende a se tornar um processo bastante complexo quando vai acontecendo dentro de ambientes que estão sempre buscando pela “eterna juventude” dos corpos (em especial, os femininos) em detrimento das habilidades e talentos ao longo dos anos. Neste filme, temos uma personificação sensível e muita crua sobre essa realidade, onde Shelly, uma mulher que está com 57 anos e ganhou à vida dançando por 30 anos, precisa enfrentar o inesperado fim da sua carreira nos palcos. Lutar contra você mesmo pode ser o maior dos seus desafios, porque você entende que é uma luta sempre recorrente.
*Le Razzle Dazzle, segundo a definição da própria protagonista, é um show requintado e que “segue a tradição do Lido em Paris”, mas ao contrário da realidade vivida no passado, a sociedade nos dias atuais valoriza outros tipos de shows, e esta produção repleta de plumas e lantejoulas já não atrai mais o público (justificando assim o seu final, que mesmo assim, ainda foi algo inesperado por Shelly... talvez por acreditar que seria uma eterna dançarina, fisicamente falando). A partir desse evento as coisas começam a mudar na vida dela, mas tudo muda bem rápido, e trazendo fortes emoções. O cerne da questão que justifica a existência desse filme é muito importante, e certamente precisa ser muito discutido.
O modo como esse roteiro desenvolveu a estória não tem nada de inovador, mas foi muito assertivo em sua abordagem (embora tenha ficado devendo uma profundidade consideravelmente maior em relação não apenas aos seus dilemas, mas principalmente aos seus personagens dentro de um contexto geral). Em meio aos episódios dramáticos com pesos muito relevantes, a trama traz luz a temas como etarismo, choque de realidade entre gerações, ressignificação... além de um bom retorno ao passado numa dinâmica entre mãe e filha, buscando desatar nós ainda brutalmente amarrados. O roteiro navega bem sobre os temas, mas faz isso de maneira um pouco rasa demais, ainda que tenha sido “funcional”.
Há uma dualidade de conceitos muito consistente aqui, e primariamente, tudo se concentra em como as duas gerações enxergam um mesmo cenário: enquanto Shelly e sua amiga Annette (mulheres mais velhas) enxergam seus empregos como suas maiores conquistas, Jodie e Mary Anne (mulheres mais jovens), apenas encaram seus trabalhos como “ritos profissionais” fáceis de serem superados. No entanto, para Shelly tudo é mais intenso, e se torna mais importante aqui porque está conectado com quem ela é como pessoa, e representa tudo que ela teve que abdicar para viver tudo isso. Até onde alguém conseguir ir para realizar um sonho?... E uma vez conseguindo, o que é capaz de fazer para ficar nele?
Em certos momentos o filme parece um pouco superficial (até pela “plasticidade visual” que por vezes é muito nítida), mas a vulnerabilidade da trama certamente poderá ser sentida por aquelas pessoas que já vivenciaram algo parecido em suas vidas. Envelhecer nunca será o problema, mas sim, como as pessoas ao nosso redor (principalmente aquelas que são detentoras de poder no mundo capitalista) olham para a idade (que é só mais um número no meio de tantos outros). Shelly está no meio do conflito, e por causa dele começa a reavaliar à sua vida, mas não se arrepende de nada. Isso acaba gerando uma crise existencial, que vai sendo agravada à medida em que o último show vai se aproximando.
A maior das suas “perdas” foi o distanciamento da própria filha, Hannah, com quem ela luta para ter uma boa relação atualmente. Ambas tentam entender melhor o que aconteceu no passado, e no meio dessa busca por explicações, vai nascendo uma oportunidade de reconciliação tão esperada pelos dois lados. O ritmo do roteiro é lento, intimista, tudo isso numa tentativa de tornar o desenvolvimento da trama em algo mais pessoal, o que de fato acontece, mas existem momentos onde tudo é “lento” demais a ponto de se tornar algo “inerte” de emoções (mesmo sendo um filme rápido, onde os seus 80 minutos não lhe favorecem muito quando consideramos o contexto por completo de todas as tramas).
De qualquer modo, isso não diminui em nada o brilho deste projeto, que aliás, é o melhor trabalho protagonizado por Pamela Anderson até então. Construindo uma personagem bem sonhadora, sensível e de certo modo um tanto quanto “ingênua” perante o mundo que a cerca, o que ela fez aqui, certamente mostrou ao público que ela sabe atuar (e foi uma atuação poderosa). Ao lado dela temos Jamie Lee Curtis, que entrega momentos interessantes (mesmo dentro de uma redoma mais “artificial”) além de Dave Bautista, Kiernan Shipka e Brenda Song (com muito menos tempo de tela, e ainda menos relevância dentro do contexto geral... apesar de serem personagens “funcionais” e realmente notáveis).
A Última Showgirl é um filme muito simples (inclusive em todos os seus aspectos técnicos), mas muito preciso ao tratar dos temas que trouxe para à mesa. Gia Coppola fez um trabalho muito tocante como diretora, porque mesmo sem ter grandes cenas, a trama ainda consegue impactar magnitude do que precisa ser dito e mostrado ao público (como uma cena onde Shelly expõe o modo de ação da indústria ao tratar as dançarinas mais velhas). A coragem do projeto torna ele em algo digno de ser visto, principalmente por ter fugido dos “clichês” do universo do qual ele pertence (como por exemplo, evitar cenas vulgares envolvendo nudez gratuita ou episódios envolvendo violência física), e isso é relevante.