ALBERTO SUGHI E IL REALISMO ESISTENZIALE

Here we are friends of Hive, talking about artists who have influenced Italian art in the second half of the 20th century. This time I propose the pictorial experience of Alberto Sughi, a painter who, from the beginning of his work, has followed a solitary path, apart from the first collective experiences, questioning and describing the restlessness of the human soul, representing the discomfort of living for men and women in urban suburbs, depicting solitary and incommunicable characters.

"Through painting, I have tried to better understand something that belongs to my conscience: restlessness, love, the anxiety of truth, disappointment, and solitude; and then maybe there is a more secret part, the one that contains the deepest reasons for my identity as a painter, which remains unknown to myself. In life, there are a thousand adjustments, many variations if not even contradictions." Alberto Sughi

Alberto Sughi was born in Cesena in 1928 and died in Bologna in 1931. Self-taught, in the debate of the time, in the 1950s, between abstractionism and realism, he preferred to undertake his own path, which would lead him throughout his life to explore the sufferings of a restless humanity in everyday life in metropolitan cities. Paradoxically, in cities where multitudes of individuals live, man feels alone, carries within him the malaise of living that will accompany him throughout his existence.

Alberto Sughi has been defined as the painter of existential realism. He was a cultured man and involved in social conflicts. He did so with the elegant stroke of charcoal on canvas, soaked in linseed oil and colors of grays, whites, reds, and blues. In his paintings, he described reality as it manifests itself, raw and ruthless. Through his instinctive and immediate painting, he narrated the crisis of the modern world, conflicts, misery, and suffering. A keen observer, through a series of pictorial cycles: the Dinners, imagination and memory of the family, the Evening, where to go?, Nocturne, the rooms of time, at the end of the day, he talked to us about human incommunicability, social discomfort.

Sitting at the tables of a café or standing at a dinner on a Roman terrace, proletarians or wealthy bourgeois drink and eat apparently together but in reality do not interact, and their gazes do not meet, they are alone.

In The Death of the Father from 1981, the suffering of a peasant family for the loss of the head of the family is represented, here the gestures of pain are contained, death is unavoidable, and suffering is dignified.

In another cycle, Nocturne No.1 from 1998, the scene represents the interior of a night where women with heavily made-up faces wait wearily to be invited to dance. Men and women are close, they will even dance, but they are distant, absorbed in their own reality.

In one of the paintings that have the theme of dinner, we see a cold atmosphere, emphasized by the tonal values of gray that pervade the atmosphere of the painting: there is a man alone at the restaurant table, in front of him a plate waiting to be filled, a glass, and glass containers of oil, vinegar, and salt, and then his posture, sitting with clenched fists and that strange look directed at the viewer.

FONTI FOTO
https://www.blogger.com/profile/01962357262389905489%20alberto%20sughi
http://www.babelearte.it/tipomuseo.asp?arid=553&quadroid=2227
https://albertosughi.com/f_prima_pagina/2010_12_08.asp

Eccoci qui amici di Hive, a parlare di artisti che hanno influenzato l’arte italiana della seconda metà del XX secolo. Questa volta sono a proporvi l’esperienza pittorica di Alberto Sughi, un pittore che fin dall’inizio della sua opera ha seguito, salvo le prime esperienze collettive, un percorso solitario interrogandosi e descrivendo l’inquietudine dell’animo umano, rappresentando il disagio del vivere di uomini e donne nelle periferie urbane, descrivendo personaggi solitari e incomunicanti.

“ Attraverso la pittura ho cercato di capire meglio qualcosa che appartiene alla mia coscienza: inquietudine, l’amore, l’ansia di verità, la delusione e la solitudine; e poi magari c’è una parte più segreta, quella che contiene le ragioni più profonde della mia identità di pittore, che resta sconosciuta a me stesso. Nella vita avvengono mille aggiustamenti, tante variazioni se non addirittura contraddizioni”. Alberto Sughi

Alberto Sughi nasce a Cesena nel 1928 e morirà a Bologna nel 1931. Autodidatta, al dibattito del tempo, siamo negli anni ’50, tra astrattismo e realismo, preferisce intraprendere un proprio percorso, che lo porterà per tutta la sua vita a scandagliare le sofferenze di una umanità inquieta nel vivere quotidiano nelle città metropolitane. Paradossalmente, nelle città dove vivono moltitudini di individui, l’uomo si sente solo, si porta dentro il male di vivere che lo accompagnerà per tutta la sua esistenza.

Alberto Sughi è stato definito il pittore del realismo esistenziale. È stato un uomo colto e partecipe ai conflitti sociali. Lo ha fatto con il tratto elegante del carboncino sulla tela, che si intride di olio di lino e dei colori grigi, dei bianchi, dei rossi e dei blu. Nei suoi quadri ha descritto la realtà così come si manifesta, cruda e spietata. Ha raccontato, attraverso la sua pittura istintiva e immediata, la crisi del mondo moderno, i conflitti, la miseria, la sofferenza. Acuto osservatore, attraverso una serie di cicli pittorici: le Cene, l’immaginazione e memoria della famiglia, la Sera, andare dove?, Notturno, le stanze del tempo, alla fine del giorno, ci ha parlato dell’incomunicabilità umana, del disaggio sociale.

Seduti ai tavoli di un caffè o in piedi ad una cena su una terrazza romana, proletari o ricchi borghesi bevono e mangiano apparentemente insieme ma in realtà non interagiscono e i loro sguardi non si incontrano, sono soli.

Ne La morte del padre del 1981, viene rappresentata la sofferenza di una famiglia contadina per la perdita del capo famiglia, qui i gesti di dolore sono contenuti, la morte è ineludibile e la sofferenza è dignitosa.

In un altro ciclo, Notturno n.1 del 1998, la scena rappresenta l’interno di un nigt dove, donne da volti pesantemente truccati, attendono stancamente di essere invitate al ballo. Uomini e donne sono vicini, balleranno anche, ma sono lontani, assorti nella propria realtà.

In uno dei dipinti che hanno per tema la cena, vediamo una atmosfera fredda, rimarcata dai valori tonali del grigio che pervadono l’atmosfera del dipinto: c’è un uomo solo al tavolo del ristorante, davanti a lui un piatto che aspetta di essere riempito, un bicchiere in vetro e delle ampolle anch’esse di vetro di olio, aceto e sale, eppoi la sua postura, seduto con i pugni chiusi e quello sguardo strano rivolto a chi lo guarda.